Принимаем заявки на участие в проекте 2025
english
Здесь
и сейчас
москва
Здесь
и сейчас
и сейчас
москва
english
Ежегодный смотр современного искусства «Здесь и Cейчас» в 2024 году проходит в шестой раз, и в четвертый — вне стен выставочных залов. Работы его участников гармонично встраиваются в существующий ландшафт города и делают современное искусство ближе к его жителям.
СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
НА УЛИЦАХ ГОРОДА
НА УЛИЦАХ ГОРОДА
В этом году проект реализован на одной территории — в Инновационном центре «Сколково». Лейтмотивом фестиваля стало исследование взаимосвязи науки и искусства, что во многом было продиктовано «гением места». В настоящий момент «Сколково» — крупнейший инновационный центр России. Он играет весомую роль в укреплении фундамента национальной экономики. Стартапы, развивающие бизнес при его поддержке, поставляют отечественную высокотехнологичную продукцию для промышленности, медицины, транспорта, сферы информационных технологий и многих других.
Оператор фестиваля Парк «Зарядье» и Инновационный центр «Сколково» разработали новый арт-маршрут, в который встроились почти два десятка объектов. Начиная с прошлого года в смотре «Здесь и Cейчас» участвуют не только московские, но и региональные авторы — эта тенденция поддерживается и в настоящем проекте. Помимо впервые представленных публике арт-объектов и муралов, в программе этого года вновь экспонируются работы пяти участников предыдущих выпусков фестиваля. Местами для демонстрации произведений искусства на карте «Сколково» стали узловые точки общественной жизни: парки и сады, центральные улицы и бульвары, территории бизнес-центров и образовательных учреждений.
«Здесь и Сейчас» — история о том, как современное искусство трансформирует привычные нам городские пейзажи, превращая их из обыденных в самобытные, живые, находящиеся в постоянном диалоге с окружающей архитектурной средой. Так на культурной карте Москвы возникают новые точки притяжения.
В этом году проект реализован на одной территории — в Инновационном центре «Сколково». Лейтмотивом фестиваля стало исследование взаимосвязи науки и искусства, что во многом было продиктовано «гением места». В настоящий момент «Сколково» — крупнейший инновационный центр России. Он играет весомую роль в укреплении фундамента национальной экономики. Стартапы, развивающие бизнес при его поддержке, поставляют отечественную высокотехнологичную продукцию для промышленности, медицины, транспорта, сферы информационных технологий и многих других.
Ежегодный смотр современного искусства «Здесь и Cейчас» в 2024 году проходит в шестой раз, и в четвертый — вне стен выставочных залов. Работы его участников гармонично встраиваются в существующий ландшафт города и делают современное искусство ближе к его жителям.
СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО
НА УЛИЦАХ
ГОРОДА
НА УЛИЦАХ
ГОРОДА
Оператор фестиваля Парк «Зарядье» и Инновационный центр «Сколково» разработали новый арт-маршрут, в который встроились почти два десятка объектов. Начиная с прошлого года в смотре «Здесь и Cейчас» участвуют не только московские, но и региональные авторы — эта тенденция поддерживается и в настоящем проекте. Помимо впервые представленных публике арт-объектов и муралов, в программе этого года вновь экспонируются работы пяти участников предыдущих выпусков фестиваля. Местами для демонстрации произведений искусства на карте «Сколково» стали узловые точки общественной жизни: парки и сады, центральные улицы и бульвары, территории бизнес-центров и образовательных учреждений.
«Здесь и Сейчас» — история о том, как современное искусство трансформирует привычные нам городские пейзажи, превращая их из обыденных в самобытные, живые, находящиеся в постоянном диалоге с окружающей архитектурной средой. Так на культурной карте Москвы возникают новые точки притяжения.
Популяризация современного искусства как неотъемлемой части городского ландшафта
1
Стимулирование культурной и социальной динамики общественных пространств, вовлечение жителей города в изучение российской истории и культуры
2
Децентрализация и активизация культурной карты районов, создание новых знаковых городских достопримечательностей
3
Поддержка и стимулирование развития региональной художественной сцены
4
Цели проекта
5
Поддержка молодого искусства
Стимулирование культурной и социальной динамики общественных пространств, вовлечение жителей города в изучение российской истории и культуры
Децентрализация и активация культурной карты районов, создание новых знаковых городских достопримечательностей
Поддержка и стимулирование развития региональной художественной сцены
Цели проекта
1
Популяризация современного искусства как неотъемлемой части городского ландшафта
4
2
5
Поддержка молодого искусства
3
Карта объектов
Карта объектов
Карта объектов
Карта объектов
Карта объектов
Карта объектов
Объекты
и художники
КРАСИЛ МАКАР
Ветер раскидал лепестки.
Место нашей встречи.
По традиции, у каждого мастерового-красильщика был свой путик — так называли вполне конкретный маршрут по одним и тем же местам для выполнения заказов. И Москва, по счастливому стечению обстоятельств, стала одной из таких точек на пути уральского мастера. Только занимается Красил Макар уже не домовой росписью: он работает с пространством города, используя масштабные скульптурные формы.
Художник позаимствовал отдельные элементы, или протоформы, из росписи в технике махового уральского письма — рисования в один мазок с одновременным нанесением белил и краски по бокам кисти. Получившаяся азбука из «ягодок», «лепестков», «листочков» и «приписок» стала основой его авторской образной письменности. Свои произведения Макар сопровождает небольшими поэтичными комментариями-подсказками к сокрытым в работах историям.
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас» в Центральном парке Инновационного центра «Сколково» разместился новый объект художника — «Косморомашка». Пространственная композиция, сочетающая в себе вибрации ярких цветов и мягкие сглаженные формы, становится доминантой выбранной локации. В работе угадывается отсылка к гаданию на цветке. Однако процесс был, возможно, прерван, так как часть лепестков осталась нетронутой. Зритель может стать тем самым главным героем, продолжив пересчёт.
Художник, согласно его биографической легенде, родился в 1889 году в крестьянской семье в селе Нижняя Синячиха нынешней Свердловской области. С 1901 по 1939 годы, в свободное от полевых работ время, трудился красильщиком, расписывая избы и бытовую утварь. Возраст художника, переваливший за 135 лет, объясняет его неразрывную связь с народным наследием и ее логичную интеграцию в актуальные практики.
В 2017-м Макар переехал в Екатеринбург и заявил о себе первыми уличными проектами, актуализирующими традиционную уральскую роспись, а к 2022 году его плоскостные решения эволюционировали в скульптурные формы. На счету автора — четыре персональные выставки в Москве и Екатеринбурге, в том числе «Красил Макар. Появление автора» в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, а также десятки стрит-арт-интеграций по всей России. Художник участвовал во II Триеннале российского современного искусства, V Уральской индустриальной биеннале современного искусства, Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» и ярмарках современного искусства в Москве и Милане. В 2020 году Макар стал лауреатом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина в номинации «Искусство в общественном пространстве».
об авторе
о работе
«Косморомашка»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ПОЛИНА ФРОЛОВА
«Букет полевых цветов» Полины Фроловой вырос на территории между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея». В таком окружении вневременная дихотомия «человек-природа», которую закладывает художница в своё произведение, кажется особенно важной. Автор напоминает о важности заботы о природе и существовании в согласии с ней, даже посреди живущего на высоких скоростях мегаполиса. Эта работа, контрастируя и вступая в диалог с современным пейзажем, предоставляет зрителю уникальную возможность отвлечься от городской суеты, улыбнуться и вспомнить беззаботное детство.
Элементы букета — цветы и червяк, проползающий между ними, — намеренно созданы таким условными и наивными, точно нарисованными. Причудливые образы художницы, встроенные в окружающую городскую среду, служат прекрасным поводом остановиться, сделать глубокий выдох и заново начать фантазировать.
В основе творческой практики Полины Фроловой — эксперименты со сложными текстильными техниками, которые требуют длительной ручной работы. Главными героями её сюжетов чаще всего являются птицы: через их образы художница говорит о внутренних переживаниях человека. Она также уделяет внимание мифологическим сюжетам и их переосмыслению в современном контексте.
Полина — выпускница Школы дизайна НИУ ВШЭ по специальности «Иллюстрация». С 2022 года художница участвует в групповых выставках современного искусства и различных коллаборациях. Она также сотрудничает с онлайн-галереей и креативным агентством Shift, в составе которого дебютировала на Ярмарке молодого современного искусства Blazar осенью 2023 года. Её работы находятся в российских частных коллекциях. Полина Фролова — обладатель диплома VII Национального конкурса дизайна книги «Жар-книга» за создание визуального ряда к иллюстрированному путеводителю «Старая Ладога», участница Международного независимого фестиваля книжной иллюстрации и визуальной литературы «МОРС» и номинант III сезона конкурса HSE Creative Open в номинации «Иллюстрация».
об авторе
о работе
«Букет полевых цветов»
Северо-восточная часть участка между бизнес-центрами «Стратос»
и «Амальтея»
и «Амальтея»
АЛЕКСАНДР КАШИН
Инновационный центр «Сколково» с самого начала создает свой уникальный облик во взаимодействии с искусством: нет лучшей питательной среды для творческой мысли. Здесь уже собралась небольшая коллекция арт-объектов, и работа Александра Кашина очень удачно в нее встраивается. «Портрет художника. Сборная модель» — это приглашение к сотворчеству, к созданию собственного шедевра из наследия искусства XX века. Арт-объект состоит из нескольких панелей-фрагментов, спроектированных по мотивам существующих произведений Джеффа Кунса, Александра Колдера и Ричарда Серры в жанре паблик-арта. Рассматривая детали, зритель может конструировать из них в своем воображении собственные композиции, вовлекаясь в художественный процесс и становясь соавтором. Таким способом художник предлагает включиться в увлекательную игру и попробовать понять творчество изнутри.
Выпускник Института современного искусства Иосифа Бакштейна Александр Кашин описывает свой творческий метод лаконично: «Экспериментальный». И поясняет: заложенные в этом понятии недосказанность и невозможность уверенного отнесения к тому или иному жанру и направлению дают максимально широкое поле для трактовок как зрителю, так и самому художнику. Александр участвовал в выставках московских галерей, среди которых «2072: ПРОГНОZ» в Культурном центре ЗИЛ и «(бес)(на)(у)силие» в Omelchenko Gallery, а также в масштабном проекте «ВЫПУСК ‘22» парка «Зарядье». При встрече зрителя с его работами — в момент взаимодействия с арт-объектом и первой искренней реакции, от удивления до отторжения, — и происходит акт искусства, то есть создание чего-то нового.
об авторе
о работе
«Портрет художника. Сборная модель»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
АНАСТАСИЯ РЫЖИКОВА
В данном проекте Анастасия Рыжикова рассматривает тонкое ощущение будущего человека, находящегося в бесчисленном множестве состояний при перемещении во времени. Художница фиксирует одновременную многогранность выбора. Каждый день, как только мы просыпаемся, запускается работа нашего сознания и открывается необъятное многообразие вариантов развития истории. Принимаемые решения в дальнейшем конструируют наш автопортрет и вместе с тем каждый раз провоцируют появление новых цепочек неповторимых событий.
В основе работы лежит серьезный авторский анализ не только законов квантового мира, но и теории метафоричных временных закономерностей, выдвинутой важнейшим представителем русского авангарда Велимиром Хлебниковым. Поэт-предсказатель, известный как исследователь «материков времени», в своих трудах воспевает «страну… где время цветет как черемуха — и двигает как поршень, где зачеловек в переднике плотника пилит времена на доски и как токарь обращается со своим завтра». Он стремится нащупать параллельное или, возможно, перпендикулярное измерение, где человек способен оказаться на такой вершине, которая позволила бы ему одновременно наблюдать прошлое, настоящее и будущее, — и в этом ему видится природа и смысл творчества.
Эти идеи удивительным образом преломляются в 365 зеркалах в объекте художницы, наполняя уютный дворик кампуса Сколтеха новыми научными смыслами.
Анастасия Рыжикова окончила МГАХИ им. В. И. Сурикова и Московскую школу современного искусства в составе Universal University, что в значительной степени повлияло на её творчество. Художественная практика автора находится на стыке академического образования и экспериментов с современными медиа. В своих произведениях художница превращает неуловимые моменты жизни в объекты, подобно тому как фотография запечатлевает краткий миг, в котором навсегда застывает время и пространство. Точкой отсчета в любой работе является её внутреннее состояние и бескрайние возможности личного ощущения и воображения.
Анастасия Рыжикова — член Московского союза художников и Творческого союза художников РФ, участница ряда выставочных проектов в России и Италии. Её персональная выставка «Время первых» с успехом прошла в Совете Федерации в Москве и Молодежном центре «Космос» в Королёве.
об авторе
о работе
«Квантовая суперпозиция»
Внутренний дворик Сколтеха
ЕГОР ПЛОТНИКОВ
Исцеляющие сады в «Сколково» — современный парк, появившийся на территории Международного медицинского кластера. Главной целью при его проектировании было создание оздоровительных пространств, различающихся по наполнению и визуальным решениям, но связанных друг с другом в единую сеть. В соответствии с замыслом его авторов, это место помогает каждому, кто в нем оказался, замедлиться и осознанно вернуться к спокойному медитативному созерцанию и творчеству.
Такая идея оказалась очень созвучна с искусством Егора Плотникова, чье многолетнее исследование связано с актуализацией категории «пейзажа» через противопоставление и соотнесенность его аспектов: с одной стороны, как фактической местности в контексте социального ландшафта, а с другой — как жанра в искусствоведческой парадигме. Сады предстают точно ожившими живописными полотнами автора, а главные герои — скульптуры зрителей — из наблюдателей превращаются в проводников по этому гармоничному рукотворному пространству.
Здесь разместились несколько персонажей, сопровождающих гостей на протяжении прогулки: одна фигура встречает нас у самого входа, вторая — присела на камень у ручья, третья — держит в руках круглое зеркало, втягивающее и преломляющее окружающее пространство, четвертая — затерялась в камышах и траве, пятая — балансирует на шаре возле склона. И только поднявшись наверх и окинув взглядом сад, мы можем вновь увидеть его обитателей — уже всех вместе.
Егор Плотников — современный художник родом из Кирова, представляющий фигуративное направление в искусстве и часто объединяющий в своих работах живопись и скульптуру. Изображая на холстах пустыри, обочины и буферные зоны, отделяющие освоенное человеком пространство от дикой природы, Егор перемещает персонажа картины за пределы живописной плоскости, отождествляя его со зрителем. Произведение искусства начинает смотреть само на себя. Этот художественный метод стал результатом творческих поисков — в попытке переосмыслить традиционный жанр пейзажа и подходы к нему автор задается вопросом: каким может быть портрет современности, выраженный через пространство?
Егор — участник многочисленных персональных и групповых выставок, прошедших в различных городах по всей стране и за рубежом. Произведения художника находятся в частных собраниях в России и других странах, а также в коллекциях Российской академии художеств, Российского фонда культуры, Московского союза художников, Московского музея современного искусства, фонда Aksenov Family Foundation Дмитрия Аксенова и нескольких региональных музеев.
об авторе
о работе
«Поиск равновесия»
Территория Исцеляющих садов в Инновационном центре «Сколково»
ДИАНА ВОУБА
Через замыслы, которые раскрываются лишь под определенным углом, художники ведут пытливых зрителей в свои потайные миры. Для своих «Алфавитян» художница Диана Воуба придумала целый мир — далекую планету Ан, а ее обитателей наделила способностью трансформироваться в каждом из измерений и создавать многомерные геометрические объекты. Антропоморфные и зооморфные существа красного, белого и черного цветов, установленные возле Международной гимназии Инновационного центра «Сколково», — результат переосмысления идей русского авангарда. Знаки-символы представляют собой алфавит, из которого можно составлять бесчисленное количество комбинаций. Фигуры Алфавитян меняются в зависимости от ракурса. Зрителей приглашают включиться в это захватывающее действо: одновременно и игру с архитектурными формами, и зримое продолжение диалога-сопоставления с авторами других футуристических объектов на территории Инновационного центра «Сколково».
Диана Воуба говорит о себе как об искателе новой красоты, призванном видеть невидимое и делать его зримым для других. Она окончила Тбилисскую государственную академию художеств и Творческие мастерские Академии художеств СССР, ее первая выставка состоялась в Центральном доме художника в Москве в 1992 году. В 1996-м Диана получила золотую медаль Международного фестиваля изобразительных искусств в тунисском Махресе (вилайет Сфакс) за серию портретов местной знати, еще через четыре года ее работы показали на выставке Women in Art («Женщины в искусстве») в Вашингтоне, а в 2021 году она стала лауреатом Премии Анатолия Зверева.
В 2015 году Диана Воуба, вдохновленная жизнестроительными идеями русского авангарда, создала художественный конструктор «Город-Алфавит»: 64 геометрических знака, построенных по методу золотого сечения. Произведения художницы находятся в собраниях Русского музея и Российской академии художеств, Московского музея современного искусства, Всероссийского музея декоративного искусства и Музея Анатолия Зверева. Узнаваемый стиль Дианы сочетает в себе насыщенную цветовую палитру и строгую, почти аскетичную композицию. Художница с детства тяготела к музыке, и эта ее любовь получила воплощение в живописи: в геометрических абстракциях с пульсирующими, почти живыми формами и в серии «Измерение тишины», для которой композитор Ираида Юсупова написала музыку.
об авторе
о работе
«Алфавитяне»
из проекта
«Город-Алфавит»
из проекта
«Город-Алфавит»
Территория детской площадки у ЖК «Мильфей» и Международной гимназии «Сколково»
АНТОН ЧУМАК
Рассматривая данный объект, зритель в некотором смысле сам становится исследователем. В этой композиции, помимо эстетической составляющей, реализована функция прибора: подвижный механизм, работающий по принципу флюгера, позволяет производить наблюдения за окружающей действительностью в текущий момент, а именно определять направление ветра. Конечно, это скорее элемент игры, символ. Ведь сегодня любой человек может зайти в смартфон и узнать всё о погоде: температуру почвы и воздуха, влажность и прогноз по осадкам, направление и максимальную скорость ветра — для этого совсем не обязательно поднимать голову и смотреть на флюгер.
В своей работе Антон Чумак отдает дань человеческому труду на сложном пути технологического прогресса. Художник размышляет над тем, что современные технологии не стали бы возможными без многовекового процесса пристального изучения — от первых примитивных наблюдений за силами природы до последних научно-технических свершений.
В этом произведении автор соединяет природную пластику растительных структур с техногенной эстетикой шлифованной нержавеющей стали. В форме объекта можно прочесть отсылки как к Александрийскому маяку и средневековым индийским храмам, так и к современному нам зданию делового центра Matrex («Матрёшка»), которое расположено неподалеку.
Антон Чумак — художник, работающий в различных медиа. Окончив Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица, он продолжает творческий путь, экспериментируя с графикой, монументальной росписью, созданием инсталляций и объектов из стали. Художник активно сотрудничает с московской галереей Krokin Gallery, на базе которой в последние годы провел несколько персональных выставок.
Антон Чумак был номинирован на Премию Кандинского и Премию имени Сергея Курёхина в области современного искусства. Он регулярно участвует в различных музейных и институциональных выставках, биеннале и ярмарках современного искусства как в России, так и за её пределами. В начале 2023 года он разработал и выполнил монументальные росписи в интерьерах открывшегося после реконструкции Южного речного вокзала в Москве. За этот проект художник получил «Московскую Арт Премию» в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Антона Чумака находятся в коллекции Государственного музея истории космонавтики имени К. Э. Циолковского, а также в многочисленных частных коллекциях в России, Франции, Испании и Республике Корее.
об авторе
о работе
«Навигатор»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
МАРИНА ЗВЯГИНЦЕВА
В своем новом произведении паблик-арт-художник Марина Звягинцева обращается к идее, согласно которой человек, если описывать его как физическое явление и, более того, явление квантового мира, представляет собой скорее волну, нежели частицу: он находится в состоянии непрерывной трансформации. Инновационный центр «Сколково» как творческая агломерация наполнен людьми, которые меняются сами и стремятся менять к лучшему окружающую действительность. Эта динамика устроена подобно эквалайзеру: каждый пытается поймать свою волну и сонастроиться с другими.
Объект «На одной волне» развивает серию работ художницы о совмещении противоположностей через авторскую технику «биотипия» (живопись на движущейся воде). Дополнительные цвета потоками сливаются в неделимое и символизируют красоту единения разных взглядов. Синергия происходит на чувственном уровне, минуя логические умозаключения.
Зритель, взаимодействуя с произведением, обращается к своему внутреннему миру. Тем временем звуковая волна-скамья, наоборот, сближает его с другими людьми и подталкивает к тому, чтобы делиться мыслями, идеями, музыкой. Инсталляция-перевертыш дает возможность как отдохнуть и расслабиться, так и вовлечься в игру. Любой, кто сядет на скамейку, окажется лицом к лицу с другим человеком — так автор работы помогает развитию диалога между резидентами Инновационного центра «Сколково».
Марина Звягинцева — один из основоположников паблик-арта в России, член Творческого союза художников России и Московского союза художников, создатель арт-программы «Спальный район». Визитная карточка Марины — авторская перформативная техника «биотипия», которая представляет собой живопись на движущейся воде.
С 2009 года художница творит под открытым небом, воплощая свои замыслы в форме масштабных инсталляций и арт-акций. За 15 лет работы с общественными пространствами она создала более 50 инсталляций в Москве, Санкт-Петербурге, Туле, Твери и Норильске. В 2019 году Марина начала цикл работ, посвященный «запертым чувствам» и социальным аспектам человеческих взаимоотношений.
Произведения Марины Звягинцевой получили высокую оценку со стороны российского и международного арт-сообщества. Она является номинантом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина, VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» и премии АРХИWOOD, а также лауреатом премии ADD AWARDS и обладателем дипломов Special Mention премии «Золотой Трезини».
об авторе
о работе
«На одной волне»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ФРАНЦИСКО ИНФАНТЕ-АРАНА И НОННА ГОРЮНОВА
Инсталляция «Машина в лесу» была задумана Франциско Инфанте и Нонной Горюновой еще в 1988 году и впервые реализована в октябре 1991 года в московской галерее «Риджина». Проект оказался совершенно неожиданным для публики, ведь традиционное для этого творческого дуэта контрастное высказывание, основанное на идее «артефакта» как художественного соединения искусственного объекта с природной средой, в замкнутом пространстве теряло привычную серьезность. Однако все принципы «артефактов» были соблюдены: построенная на эффектах отражения и движения работа представляла собой искусственную абстрактную геометрическую систему, в равной степени состоящую из выбранных материалов и преломлений окружающего света и цвета.
В версии 2024 года, созданной специально для фестиваля «Здесь и Сейчас», инсталляция интегрирована в пейзаж Инновационного центра «Сколково» и раскрывается в совершенно новом ключе. «Машина"-артефакт, выполненная в форме созвездия Большой Медведицы, уже не безучастна и не существует отдельно от природной среды. Напротив, отношения рукотворного объекта и окружающего пространства невероятно динамичны, и мы можем фиксировать происходящие в них изменения с течением суток и времен года. Исключительным свойством работы является то, что, в отличие от большинства произведений этого авторского тандема, она предлагает зрителю роль не просто наблюдателя, а непосредственного актора, способного влиять на скорость и силу взаимодействия объекта со средой.
Франциско Инфанте-Арана и Нонна Горюнова — пионеры кинетического искусства в России и одни из наиболее известных и влиятельных отечественных художников-кинетов в мировом контексте.
Франциско родился в 1943 году в селе Васильевка Саратовской области, Нонна — в 1944 году в Москве. Оба окончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Во время учебы, с 1962 по 1964 год, Инфанте-Арана входил в состав Содружества художников геометрического и метафизического направления. В 1968 году он начал работать совместно с Горюновой, и в 1970-м художники организовали группу «Арго» с целью разработки искусственных систем, аналогичных естественным явлениям. Возникновение этого объединения стало заметным авангардным событием того времени. Пять лет спустя Инфанте-Арана и Горюнова впервые инициировали вторжение искусства в природный ландшафт: они поместили в естественную среду созданные ими геометрические объекты, тем самым столкнув нерукотворное и искусственное начала. В разные годы природным контекстом выступали поле, лес, пляж, небосклон. «Артефакты» же представляли собой произведения, созданные из пленки, цветной бумаги, лесок и зеркал. Момент их встречи — то есть оптимального взаимодействия — фиксировался на фотокамеру, и отпечатки впоследствии воспроизводились небольшим тиражом. Этот тотальный художественный эксперимент красной нитью пронизал всё творчество соавторов: они и по сей день продолжают совершенствовать идею «артефактов».
В творческой биографии Франциско Инфанте и Нонны Горюновой — участие более чем в трехстах выставках в России и за рубежом. Их произведения украшают собой коллекции ведущих международных музеев и множество частных собраний. Художники живут и работают в Москве.
об авторАХ
о работе
«Машина в лесу 1991/2024»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
Лев Ефимов
В своей работе художник обращается к теории Большого взрыва, а именно к космологической сингулярности — предполагаемому начальному состоянию Вселенной. Льва вдохновляет мысль о том, что исходная точка, олицетворявшая единичность существа, взорвавшись, превратилась в постоянно растущее множество, начала «строить» миры. Выбранная Ефимовым форма сферы естественным образом воспринимается и как атом, и как будущие планеты. Зеркальность и рефлектность произведения дополняет авторскую идею: в то время как объект своей динамикой стремится к расширению, его отражающая поверхность буквально втягивает в себя окружающее пространство.
Подобный аллегорический подход свойственен художнику: собирая разбросанные фрагменты впечатлений от формы, цвета, материалов, автор не стремится воссоздать красоту в ее материальном воплощении, но скорее передает эмоцию и дух, наполняющие тот или иной объект. Он словно наделяет абстрактный материал живой энергией. Баланс привычного и необычайного, традиционного и нового, естественного и искусственного, который мы находим в работах Ефимова, погружает нас в некий альтернативный мир, в котором случайные сочетания, концепции и решения являются инструментами для поиска свободы в постижении мира.
В своей практике междисциплинарный художник Лев Ефимов экспериментирует с такими медиа, как живопись, скульптура и инсталляция. Дебютировав как художник в псковском стрит-арте, он проделал путь до международного fashion-фотографа, сотрудничающего с Grazia, Vogue, Tatler и другими изданиями. Работа с фотографией и увлечение классической архитектурой сформировали творческий интерес автора к объемным пластичным формам и их взаимодействию с пространством. Ефимов отводит важную роль элементу случайности в художественном процессе. «Рождаемое часто удивляет меня самого, и работа над новым объектом для меня практически всегда является импровизацией, в которой участвую не только я, но и сам материал», — рассказывает художник.
В настоящий момент Лев сотрудничает с галереей Surface Lab Art, а также является владельцем скульптурной мастерской, которую он открыл в Москве в 2021 году. Работы художника в жанре паблик-арта в разное время украшали территории Музея-заповедника «Архангельское» и Парка Горького. Постоянные объекты авторства Ефимова представлены в Парке искусств «Музеон» и на территории ЖК Headliner в Москве.
об авторе
о работе
«Слово» («Атом»)
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В начале было слово
Ин. 1:1
Ин. 1:1
Объекты
и художники
и художники
ОБ АВТОРЕ
Художник, согласно его биографической легенде, родился в 1889 году в крестьянской семье в селе Нижняя Синячиха нынешней Свердловской области. С 1901 по 1939 годы, в свободное от полевых работ время, трудился красильщиком, расписывая избы и бытовую утварь. Возраст художника, переваливший за 135 лет, объясняет его неразрывную связь с народным наследием и ее логичную интеграцию в актуальные практики.
В 2017-м Макар переехал в Екатеринбург и заявил о себе первыми уличными проектами, актуализирующими традиционную уральскую роспись, а к 2022 году его плоскостные решения эволюционировали в скульптурные формы. На счету автора — четыре персональные выставки в Москве и Екатеринбурге, в том числе «Красил Макар. Появление автора» в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, а также десятки стрит-арт-интеграций по всей России. Художник участвовал во II Триеннале российского современного искусства, V Уральской индустриальной биеннале современного искусства, Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» и ярмарках современного искусства в Москве и Милане. В 2020 году Макар стал лауреатом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина в номинации «Искусство в общественном пространстве».
Художник, согласно его биографической легенде, родился в 1889 году в крестьянской семье в селе Нижняя Синячиха нынешней Свердловской области. С 1901 по 1939 годы, в свободное от полевых работ время, трудился красильщиком, расписывая избы и бытовую утварь. Возраст художника, переваливший за 135 лет, объясняет его неразрывную связь с народным наследием и ее логичную интеграцию в актуальные практики.
В 2017-м Макар переехал в Екатеринбург и заявил о себе первыми уличными проектами, актуализирующими традиционную уральскую роспись, а к 2022 году его плоскостные решения эволюционировали в скульптурные формы. На счету автора — четыре персональные выставки в Москве и Екатеринбурге, в том числе «Красил Макар. Появление автора» в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, а также десятки стрит-арт-интеграций по всей России. Художник участвовал во II Триеннале российского современного искусства, V Уральской индустриальной биеннале современного искусства, Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» и ярмарках современного искусства в Москве и Милане. В 2020 году Макар стал лауреатом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина в номинации «Искусство в общественном пространстве».
О РАБОТЕ
Ветер раскидал лепестки.
Место нашей встречи.
По традиции, у каждого мастерового-красильщика был свой путик — так называли вполне конкретный маршрут по одним и тем же местам для выполнения заказов. И Москва, по счастливому стечению обстоятельств, стала одной из таких точек на пути уральского мастера. Только занимается Красил Макар уже не домовой росписью: он работает с пространством города, используя масштабные скульптурные формы.
Художник позаимствовал отдельные элементы, или протоформы, из росписи в технике махового уральского письма — рисования в один мазок с одновременным нанесением белил и краски по бокам кисти. Получившаяся азбука из «ягодок», «лепестков», «листочков» и «приписок» стала основой его авторской образной письменности. Свои произведения Макар сопровождает небольшими поэтичными комментариями-подсказками к сокрытым в работах историям.
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас» в Центральном парке Инновационного центра «Сколково» разместился новый объект художника — «Косморомашка». Пространственная композиция, сочетающая в себе вибрации ярких цветов и мягкие сглаженные формы, становится доминантой выбранной локации. В работе угадывается отсылка к гаданию на цветке. Однако процесс был, возможно, прерван, так как часть лепестков осталась нетронутой. Зритель может стать тем самым главным героем, продолжив пересчёт.
Ветер раскидал лепестки.
Место нашей встречи.
По традиции, у каждого мастерового-красильщика был свой путик — так называли вполне конкретный маршрут по одним и тем же местам для выполнения заказов. И Москва, по счастливому стечению обстоятельств, стала одной из таких точек на пути уральского мастера. Только занимается Красил Макар уже не домовой росписью: он работает с пространством города, используя масштабные скульптурные формы.
Художник позаимствовал отдельные элементы, или протоформы, из росписи в технике махового уральского письма — рисования в один мазок с одновременным нанесением белил и краски по бокам кисти. Получившаяся азбука из «ягодок», «лепестков», «листочков» и «приписок» стала основой его авторской образной письменности. Свои произведения Макар сопровождает небольшими поэтичными комментариями-подсказками к сокрытым в работах историям.
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас» в Центральном парке Инновационного центра «Сколково» разместился новый объект художника — «Косморомашка». Пространственная композиция, сочетающая в себе вибрации ярких цветов и мягкие сглаженные формы, становится доминантой выбранной локации. В работе угадывается отсылка к гаданию на цветке. Однако процесс был, возможно, прерван, так как часть лепестков осталась нетронутой. Зритель может стать тем самым главным героем, продолжив пересчёт.
«Косморомашка»
КРАСИЛ МАКАР
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
В основе творческой практики Полины Фроловой — эксперименты со сложными текстильными техниками, которые требуют длительной ручной работы. Главными героями её сюжетов чаще всего являются птицы: через их образы художница говорит о внутренних переживаниях человека. Она также уделяет внимание мифологическим сюжетам и их переосмыслению в современном контексте.
Полина — выпускница Школы дизайна НИУ ВШЭ по специальности «Иллюстрация». С 2022 года художница участвует в групповых выставках современного искусства и различных коллаборациях. Она также сотрудничает с онлайн-галереей и креативным агентством Shift, в составе которого дебютировала на Ярмарке молодого современного искусства Blazar осенью 2023 года. Её работы находятся в российских частных коллекциях. Полина Фролова — обладатель диплома VII Национального конкурса дизайна книги «Жар-книга» за создание визуального ряда к иллюстрированному путеводителю «Старая Ладога», участница Международного независимого фестиваля книжной иллюстрации и визуальной литературы «МОРС» и номинант III сезона конкурса HSE Creative Open в номинации «Иллюстрация».
В основе творческой практики Полины Фроловой — эксперименты со сложными текстильными техниками, которые требуют длительной ручной работы. Главными героями её сюжетов чаще всего являются птицы: через их образы художница говорит о внутренних переживаниях человека. Она также уделяет внимание мифологическим сюжетам и их переосмыслению в современном контексте.
Полина — выпускница Школы дизайна НИУ ВШЭ по специальности «Иллюстрация». С 2022 года художница участвует в групповых выставках современного искусства и различных коллаборациях. Она также сотрудничает с онлайн-галереей и креативным агентством Shift, в составе которого дебютировала на Ярмарке молодого современного искусства Blazar осенью 2023 года. Её работы находятся в российских частных коллекциях. Полина Фролова — обладатель диплома VII Национального конкурса дизайна книги «Жар-книга» за создание визуального ряда к иллюстрированному путеводителю «Старая Ладога», участница Международного независимого фестиваля книжной иллюстрации и визуальной литературы «МОРС» и номинант III сезона конкурса HSE Creative Open в номинации «Иллюстрация».
О РАБОТЕ
«Букет полевых цветов» Полины Фроловой вырос на территории между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея». В таком окружении вневременная дихотомия «человек-природа», которую закладывает художница в своё произведение, кажется особенно важной. Автор напоминает о важности заботы о природе и существовании в согласии с ней, даже посреди живущего на высоких скоростях мегаполиса. Эта работа, контрастируя и вступая в диалог с современным пейзажем, предоставляет зрителю уникальную возможность отвлечься от городской суеты, улыбнуться и вспомнить беззаботное детство.
Элементы букета — цветы и червяк, проползающий между ними, — намеренно созданы таким условными и наивными, точно нарисованными. Причудливые образы художницы, встроенные в окружающую городскую среду, служат прекрасным поводом остановиться, сделать глубокий выдох и заново начать фантазировать.
«Букет полевых цветов» Полины Фроловой вырос на территории между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея». В таком окружении вневременная дихотомия «человек-природа», которую закладывает художница в своё произведение, кажется особенно важной. Автор напоминает о важности заботы о природе и существовании в согласии с ней, даже посреди живущего на высоких скоростях мегаполиса. Эта работа, контрастируя и вступая в диалог с современным пейзажем, предоставляет зрителю уникальную возможность отвлечься от городской суеты, улыбнуться и вспомнить беззаботное детство.
Элементы букета — цветы и червяк, проползающий между ними, — намеренно созданы таким условными и наивными, точно нарисованными. Причудливые образы художницы, встроенные в окружающую городскую среду, служат прекрасным поводом остановиться, сделать глубокий выдох и заново начать фантазировать.
«Букет полевых цветов»
ПОЛИНА ФРОЛОВА
Северо-восточная часть участка между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея»
ОБ АВТОРЕ
Выпускник Института современного искусства Иосифа Бакштейна Александр Кашин описывает свой творческий метод лаконично: «Экспериментальный». И поясняет: заложенные в этом понятии недосказанность и невозможность уверенного отнесения к тому или иному жанру и направлению дают максимально широкое поле для трактовок как зрителю, так и самому художнику. Александр участвовал в выставках московских галерей, среди которых «2072: ПРОГНОZ» в Культурном центре ЗИЛ и «(бес)(на)(у)силие» в Omelchenko Gallery, а также в масштабном проекте «ВЫПУСК ‘22» парка «Зарядье». При встрече зрителя с его работами — в момент взаимодействия с арт-объектом и первой искренней реакции, от удивления до отторжения, — и происходит акт искусства, то есть создание чего-то нового.
Выпускник Института современного искусства Иосифа Бакштейна Александр Кашин описывает свой творческий метод лаконично: «Экспериментальный». И поясняет: заложенные в этом понятии недосказанность и невозможность уверенного отнесения к тому или иному жанру и направлению дают максимально широкое поле для трактовок как зрителю, так и самому художнику. Александр участвовал в выставках московских галерей, среди которых «2072: ПРОГНОZ» в Культурном центре ЗИЛ и «(бес)(на)(у)силие» в Omelchenko Gallery, а также в масштабном проекте «ВЫПУСК ‘22» парка «Зарядье». При встрече зрителя с его работами — в момент взаимодействия с арт-объектом и первой искренней реакции, от удивления до отторжения, — и происходит акт искусства, то есть создание чего-то нового.
О РАБОТЕ
Инновационный центр «Сколково» с самого начала создает свой уникальный облик во взаимодействии с искусством: нет лучшей питательной среды для творческой мысли. Здесь уже собралась небольшая коллекция арт-объектов, и работа Александра Кашина очень удачно в нее встраивается. «Портрет художника. Сборная модель» — это приглашение к сотворчеству, к созданию собственного шедевра из наследия искусства XX века. Арт-объект состоит из нескольких панелей-фрагментов, спроектированных по мотивам существующих произведений Джеффа Кунса, Александра Колдера и Ричарда Серры в жанре паблик-арта. Рассматривая детали, зритель может конструировать из них в своем воображении собственные композиции, вовлекаясь в художественный процесс и становясь соавтором. Таким способом художник предлагает включиться в увлекательную игру и попробовать понять творчество изнутри.
Инновационный центр «Сколково» с самого начала создает свой уникальный облик во взаимодействии с искусством: нет лучшей питательной среды для творческой мысли. Здесь уже собралась небольшая коллекция арт-объектов, и работа Александра Кашина очень удачно в нее встраивается. «Портрет художника. Сборная модель» — это приглашение к сотворчеству, к созданию собственного шедевра из наследия искусства XX века. Арт-объект состоит из нескольких панелей-фрагментов, спроектированных по мотивам существующих произведений Джеффа Кунса, Александра Колдера и Ричарда Серры в жанре паблик-арта. Рассматривая детали, зритель может конструировать из них в своем воображении собственные композиции, вовлекаясь в художественный процесс и становясь соавтором. Таким способом художник предлагает включиться в увлекательную игру и попробовать понять творчество изнутри.
«Портрет художника. Сборная модель»
АЛЕКСАНДР КАШИН
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Анастасия Рыжикова окончила МГАХИ им. В. И. Сурикова и Московскую школу современного искусства в составе Universal University, что в значительной степени повлияло на её творчество. Художественная практика автора находится на стыке академического образования и экспериментов с современными медиа. В своих произведениях художница превращает неуловимые моменты жизни в объекты, подобно тому как фотография запечатлевает краткий миг, в котором навсегда застывает время и пространство. Точкой отсчета в любой работе является её внутреннее состояние и бескрайние возможности личного ощущения и воображения.
Анастасия Рыжикова — член Московского союза художников и Творческого союза художников РФ, участница ряда выставочных проектов в России и Италии. Её персональная выставка «Время первых» с успехом прошла в Совете Федерации в Москве и Молодежном центре «Космос» в Королёве.
Анастасия Рыжикова окончила МГАХИ им. В. И. Сурикова и Московскую школу современного искусства в составе Universal University, что в значительной степени повлияло на её творчество. Художественная практика автора находится на стыке академического образования и экспериментов с современными медиа. В своих произведениях художница превращает неуловимые моменты жизни в объекты, подобно тому как фотография запечатлевает краткий миг, в котором навсегда застывает время и пространство. Точкой отсчета в любой работе является её внутреннее состояние и бескрайние возможности личного ощущения и воображения.
Анастасия Рыжикова — член Московского союза художников и Творческого союза художников РФ, участница ряда выставочных проектов в России и Италии. Её персональная выставка «Время первых» с успехом прошла в Совете Федерации в Москве и Молодежном центре «Космос» в Королёве.
О РАБОТЕ
В данном проекте Анастасия Рыжикова рассматривает тонкое ощущение будущего человека, находящегося в бесчисленном множестве состояний при перемещении во времени. Художница фиксирует одновременную многогранность выбора. Каждый день, как только мы просыпаемся, запускается работа нашего сознания и открывается необъятное многообразие вариантов развития истории. Принимаемые решения в дальнейшем конструируют наш автопортрет и вместе с тем каждый раз провоцируют появление новых цепочек неповторимых событий.
В основе работы лежит серьезный авторский анализ не только законов квантового мира, но и теории метафоричных временных закономерностей, выдвинутой важнейшим представителем русского авангарда Велимиром Хлебниковым. Поэт-предсказатель, известный как исследователь «материков времени», в своих трудах воспевает «страну… где время цветет как черемуха — и двигает как поршень, где зачеловек в переднике плотника пилит времена на доски и как токарь обращается со своим завтра». Он стремится нащупать параллельное или, возможно, перпендикулярное измерение, где человек способен оказаться на такой вершине, которая позволила бы ему одновременно наблюдать прошлое, настоящее и будущее, — и в этом ему видится природа и смысл творчества.
Эти идеи удивительным образом преломляются в 365 зеркалах в объекте художницы, наполняя уютный дворик кампуса Сколтеха новыми научными смыслами.
В данном проекте Анастасия Рыжикова рассматривает тонкое ощущение будущего человека, находящегося в бесчисленном множестве состояний при перемещении во времени. Художница фиксирует одновременную многогранность выбора. Каждый день, как только мы просыпаемся, запускается работа нашего сознания и открывается необъятное многообразие вариантов развития истории. Принимаемые решения в дальнейшем конструируют наш автопортрет и вместе с тем каждый раз провоцируют появление новых цепочек неповторимых событий.
В основе работы лежит серьезный авторский анализ не только законов квантового мира, но и теории метафоричных временных закономерностей, выдвинутой важнейшим представителем русского авангарда Велимиром Хлебниковым. Поэт-предсказатель, известный как исследователь «материков времени», в своих трудах воспевает «страну… где время цветет как черемуха — и двигает как поршень, где зачеловек в переднике плотника пилит времена на доски и как токарь обращается со своим завтра». Он стремится нащупать параллельное или, возможно, перпендикулярное измерение, где человек способен оказаться на такой вершине, которая позволила бы ему одновременно наблюдать прошлое, настоящее и будущее, — и в этом ему видится природа и смысл творчества.
Эти идеи удивительным образом преломляются в 365 зеркалах в объекте художницы, наполняя уютный дворик кампуса Сколтеха новыми научными смыслами.
Внутренний дворик Сколтеха
АНАСТАСИЯ РЫЖИКОВА
«Квантовая суперпозиция»
ОБ АВТОРЕ
Егор Плотников — современный художник родом из Кирова, представляющий фигуративное направление в искусстве и часто объединяющий в своих работах живопись и скульптуру. Изображая на холстах пустыри, обочины и буферные зоны, отделяющие освоенное человеком пространство от дикой природы, Егор перемещает персонажа картины за пределы живописной плоскости, отождествляя его со зрителем. Произведение искусства начинает смотреть само на себя. Этот художественный метод стал результатом творческих поисков — в попытке переосмыслить традиционный жанр пейзажа и подходы к нему автор задается вопросом: каким может быть портрет современности, выраженный через пространство?
Егор — участник многочисленных персональных и групповых выставок, прошедших в различных городах по всей стране и за рубежом. Произведения художника находятся в частных собраниях в России и других странах, а также в коллекциях Российской академии художеств, Российского фонда культуры, Московского союза художников, Московского музея современного искусства, фонда Aksenov Family Foundation Дмитрия Аксенова и нескольких региональных музеев.
Егор Плотников — современный художник родом из Кирова, представляющий фигуративное направление в искусстве и часто объединяющий в своих работах живопись и скульптуру. Изображая на холстах пустыри, обочины и буферные зоны, отделяющие освоенное человеком пространство от дикой природы, Егор перемещает персонажа картины за пределы живописной плоскости, отождествляя его со зрителем. Произведение искусства начинает смотреть само на себя. Этот художественный метод стал результатом творческих поисков — в попытке переосмыслить традиционный жанр пейзажа и подходы к нему автор задается вопросом: каким может быть портрет современности, выраженный через пространство?
Егор — участник многочисленных персональных и групповых выставок, прошедших в различных городах по всей стране и за рубежом. Произведения художника находятся в частных собраниях в России и других странах, а также в коллекциях Российской академии художеств, Российского фонда культуры, Московского союза художников, Московского музея современного искусства, фонда Aksenov Family Foundation Дмитрия Аксенова и нескольких региональных музеев.
О РАБОТЕ
Исцеляющие сады в «Сколково» — современный парк, появившийся на территории Международного медицинского кластера. Главной целью при его проектировании было создание оздоровительных пространств, различающихся по наполнению и визуальным решениям, но связанных друг с другом в единую сеть. В соответствии с замыслом его авторов, это место помогает каждому, кто в нем оказался, замедлиться и осознанно вернуться к спокойному медитативному созерцанию и творчеству.
Такая идея оказалась очень созвучна с искусством Егора Плотникова, чье многолетнее исследование связано с актуализацией категории «пейзажа» через противопоставление и соотнесенность его аспектов: с одной стороны, как фактической местности в контексте социального ландшафта, а с другой — как жанра в искусствоведческой парадигме. Сады предстают точно ожившими живописными полотнами автора, а главные герои — скульптуры зрителей — из наблюдателей превращаются в проводников по этому гармоничному рукотворному пространству.
Здесь разместились несколько персонажей, сопровождающих гостей на протяжении прогулки: одна фигура встречает нас у самого входа, вторая — присела на камень у ручья, третья — держит в руках круглое зеркало, втягивающее и преломляющее окружающее пространство, четвертая — затерялась в камышах и траве, пятая — балансирует на шаре возле склона. И только поднявшись наверх и окинув взглядом сад, мы можем вновь увидеть его обитателей — уже всех вместе.
Исцеляющие сады в «Сколково» — современный парк, появившийся на территории Международного медицинского кластера. Главной целью при его проектировании было создание оздоровительных пространств, различающихся по наполнению и визуальным решениям, но связанных друг с другом в единую сеть. В соответствии с замыслом его авторов, это место помогает каждому, кто в нем оказался, замедлиться и осознанно вернуться к спокойному медитативному созерцанию и творчеству.
Такая идея оказалась очень созвучна с искусством Егора Плотникова, чье многолетнее исследование связано с актуализацией категории «пейзажа» через противопоставление и соотнесенность его аспектов: с одной стороны, как фактической местности в контексте социального ландшафта, а с другой — как жанра в искусствоведческой парадигме. Сады предстают точно ожившими живописными полотнами автора, а главные герои — скульптуры зрителей — из наблюдателей превращаются в проводников по этому гармоничному рукотворному пространству.
Здесь разместились несколько персонажей, сопровождающих гостей на протяжении прогулки: одна фигура встречает нас у самого входа, вторая — присела на камень у ручья, третья — держит в руках круглое зеркало, втягивающее и преломляющее окружающее пространство, четвертая — затерялась в камышах и траве, пятая — балансирует на шаре возле склона. И только поднявшись наверх и окинув взглядом сад, мы можем вновь увидеть его обитателей — уже всех вместе.
ЕГОР ПЛОТНИКОВ
«Поиск равновесия»
Территория Исцеляющих садов в Инновационном центре «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Диана Воуба говорит о себе как об искателе новой красоты, призванном видеть невидимое и делать его зримым для других. Она окончила Тбилисскую государственную академию художеств и Творческие мастерские Академии художеств СССР, ее первая выставка состоялась в Центральном доме художника в Москве в 1992 году. В 1996-м Диана получила золотую медаль Международного фестиваля изобразительных искусств в тунисском Махресе (вилайет Сфакс) за серию портретов местной знати, еще через четыре года ее работы показали на выставке Women in Art («Женщины в искусстве») в Вашингтоне, а в 2021 году она стала лауреатом Премии Анатолия Зверева.
В 2015 году Диана Воуба, вдохновленная жизнестроительными идеями русского авангарда, создала художественный конструктор «Город-Алфавит»: 64 геометрических знака, построенных по методу золотого сечения. Произведения художницы находятся в собраниях Русского музея и Российской академии художеств, Московского музея современного искусства, Всероссийского музея декоративного искусства и Музея Анатолия Зверева. Узнаваемый стиль Дианы сочетает в себе насыщенную цветовую палитру и строгую, почти аскетичную композицию. Художница с детства тяготела к музыке, и эта ее любовь получила воплощение в живописи: в геометрических абстракциях с пульсирующими, почти живыми формами и в серии «Измерение тишины», для которой композитор Ираида Юсупова написала музыку.
Диана Воуба говорит о себе как об искателе новой красоты, призванном видеть невидимое и делать его зримым для других. Она окончила Тбилисскую государственную академию художеств и Творческие мастерские Академии художеств СССР, ее первая выставка состоялась в Центральном доме художника в Москве в 1992 году. В 1996-м Диана получила золотую медаль Международного фестиваля изобразительных искусств в тунисском Махресе (вилайет Сфакс) за серию портретов местной знати, еще через четыре года ее работы показали на выставке Women in Art («Женщины в искусстве») в Вашингтоне, а в 2021 году она стала лауреатом Премии Анатолия Зверева.
В 2015 году Диана Воуба, вдохновленная жизнестроительными идеями русского авангарда, создала художественный конструктор «Город-Алфавит»: 64 геометрических знака, построенных по методу золотого сечения. Произведения художницы находятся в собраниях Русского музея и Российской академии художеств, Московского музея современного искусства, Всероссийского музея декоративного искусства и Музея Анатолия Зверева. Узнаваемый стиль Дианы сочетает в себе насыщенную цветовую палитру и строгую, почти аскетичную композицию. Художница с детства тяготела к музыке, и эта ее любовь получила воплощение в живописи: в геометрических абстракциях с пульсирующими, почти живыми формами и в серии «Измерение тишины», для которой композитор Ираида Юсупова написала музыку.
О РАБОТЕ
Через замыслы, которые раскрываются лишь под определенным углом, художники ведут пытливых зрителей в свои потайные миры. Для своих «Алфавитян» художница Диана Воуба придумала целый мир — далекую планету Ан, а ее обитателей наделила способностью трансформироваться в каждом из измерений и создавать многомерные геометрические объекты. Антропоморфные и зооморфные существа красного, белого и черного цветов, установленные возле Международной гимназии Инновационного центра «Сколково», — результат переосмысления идей русского авангарда. Знаки-символы представляют собой алфавит, из которого можно составлять бесчисленное количество комбинаций. Фигуры Алфавитян меняются в зависимости от ракурса. Зрителей приглашают включиться в это захватывающее действо: одновременно и игру с архитектурными формами, и зримое продолжение диалога-сопоставления с авторами других футуристических объектов на территории Инновационного центра «Сколково».
Через замыслы, которые раскрываются лишь под определенным углом, художники ведут пытливых зрителей в свои потайные миры. Для своих «Алфавитян» художница Диана Воуба придумала целый мир — далекую планету Ан, а ее обитателей наделила способностью трансформироваться в каждом из измерений и создавать многомерные геометрические объекты. Антропоморфные и зооморфные существа красного, белого и черного цветов, установленные возле Международной гимназии Инновационного центра «Сколково», — результат переосмысления идей русского авангарда. Знаки-символы представляют собой алфавит, из которого можно составлять бесчисленное количество комбинаций. Фигуры Алфавитян меняются в зависимости от ракурса. Зрителей приглашают включиться в это захватывающее действо: одновременно и игру с архитектурными формами, и зримое продолжение диалога-сопоставления с авторами других футуристических объектов на территории Инновационного центра «Сколково».
«Алфавитяне» из проекта
«Город-Алфавит»
«Город-Алфавит»
ДИАНА ВОУБА
Территория детской площадки у ЖК «Мильфей» и Международной гимназии «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Антон Чумак — художник, работающий в различных медиа. Окончив Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица, он продолжает творческий путь, экспериментируя с графикой, монументальной росписью, созданием инсталляций и объектов из стали. Художник активно сотрудничает с московской галереей Krokin Gallery, на базе которой в последние годы провел несколько персональных выставок.
Антон Чумак был номинирован на Премию Кандинского и Премию имени Сергея Курёхина в области современного искусства. Он регулярно участвует в различных музейных и институциональных выставках, биеннале и ярмарках современного искусства как в России, так и за её пределами. В начале 2023 года он разработал и выполнил монументальные росписи в интерьерах открывшегося после реконструкции Южного речного вокзала в Москве. За этот проект художник получил «Московскую Арт Премию» в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Антона Чумака находятся в коллекции Государственного музея истории космонавтики имени К. Э. Циолковского, а также в многочисленных частных коллекциях в России, Франции, Испании и Республике Корее.
Антон Чумак — художник, работающий в различных медиа. Окончив Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица, он продолжает творческий путь, экспериментируя с графикой, монументальной росписью, созданием инсталляций и объектов из стали. Художник активно сотрудничает с московской галереей Krokin Gallery, на базе которой в последние годы провел несколько персональных выставок.
Антон Чумак был номинирован на Премию Кандинского и Премию имени Сергея Курёхина в области современного искусства. Он регулярно участвует в различных музейных и институциональных выставках, биеннале и ярмарках современного искусства как в России, так и за её пределами. В начале 2023 года он разработал и выполнил монументальные росписи в интерьерах открывшегося после реконструкции Южного речного вокзала в Москве. За этот проект художник получил «Московскую Арт Премию» в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Антона Чумака находятся в коллекции Государственного музея истории космонавтики имени К. Э. Циолковского, а также в многочисленных частных коллекциях в России, Франции, Испании и Республике Корее.
О РАБОТЕ
Рассматривая данный объект, зритель в некотором смысле сам становится исследователем. В этой композиции, помимо эстетической составляющей, реализована функция прибора: подвижный механизм, работающий по принципу флюгера, позволяет производить наблюдения за окружающей действительностью в текущий момент, а именно определять направление ветра. Конечно, это скорее элемент игры, символ. Ведь сегодня любой человек может зайти в смартфон и узнать всё о погоде: температуру почвы и воздуха, влажность и прогноз по осадкам, направление и максимальную скорость ветра — для этого совсем не обязательно поднимать голову и смотреть на флюгер.
В своей работе Антон Чумак отдает дань человеческому труду на сложном пути технологического прогресса. Художник размышляет над тем, что современные технологии не стали бы возможными без многовекового процесса пристального изучения — от первых примитивных наблюдений за силами природы до последних научно-технических свершений.
В этом произведении автор соединяет природную пластику растительных структур с техногенной эстетикой шлифованной нержавеющей стали. В форме объекта можно прочесть отсылки как к Александрийскому маяку и средневековым индийским храмам, так и к современному нам зданию делового центра Matrex («Матрёшка»), которое расположено неподалеку.
Рассматривая данный объект, зритель в некотором смысле сам становится исследователем. В этой композиции, помимо эстетической составляющей, реализована функция прибора: подвижный механизм, работающий по принципу флюгера, позволяет производить наблюдения за окружающей действительностью в текущий момент, а именно определять направление ветра. Конечно, это скорее элемент игры, символ. Ведь сегодня любой человек может зайти в смартфон и узнать всё о погоде: температуру почвы и воздуха, влажность и прогноз по осадкам, направление и максимальную скорость ветра — для этого совсем не обязательно поднимать голову и смотреть на флюгер.
В своей работе Антон Чумак отдает дань человеческому труду на сложном пути технологического прогресса. Художник размышляет над тем, что современные технологии не стали бы возможными без многовекового процесса пристального изучения — от первых примитивных наблюдений за силами природы до последних научно-технических свершений.
В этом произведении автор соединяет природную пластику растительных структур с техногенной эстетикой шлифованной нержавеющей стали. В форме объекта можно прочесть отсылки как к Александрийскому маяку и средневековым индийским храмам, так и к современному нам зданию делового центра Matrex («Матрёшка»), которое расположено неподалеку.
«Навигатор»
АНТОН ЧУМАК
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Марина Звягинцева — один из основоположников паблик-арта в России, член Творческого союза художников России и Московского союза художников, создатель арт-программы «Спальный район». Визитная карточка Марины — авторская перформативная техника «биотипия», которая представляет собой живопись на движущейся воде.
С 2009 года художница творит под открытым небом, воплощая свои замыслы в форме масштабных инсталляций и арт-акций. За 15 лет работы с общественными пространствами она создала более 50 инсталляций в Москве, Санкт-Петербурге, Туле, Твери и Норильске. В 2019 году Марина начала цикл работ, посвященный «запертым чувствам» и социальным аспектам человеческих взаимоотношений.
Произведения Марины Звягинцевой получили высокую оценку со стороны российского и международного арт-сообщества. Она является номинантом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина, VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» и премии АРХИWOOD, а также лауреатом премии ADD AWARDS и обладателем дипломов Special Mention премии «Золотой Трезини».
Марина Звягинцева — один из основоположников паблик-арта в России, член Творческого союза художников России и Московского союза художников, создатель арт-программы «Спальный район». Визитная карточка Марины — авторская перформативная техника «биотипия», которая представляет собой живопись на движущейся воде.
С 2009 года художница творит под открытым небом, воплощая свои замыслы в форме масштабных инсталляций и арт-акций. За 15 лет работы с общественными пространствами она создала более 50 инсталляций в Москве, Санкт-Петербурге, Туле, Твери и Норильске. В 2019 году Марина начала цикл работ, посвященный «запертым чувствам» и социальным аспектам человеческих взаимоотношений.
Произведения Марины Звягинцевой получили высокую оценку со стороны российского и международного арт-сообщества. Она является номинантом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина, VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» и премии АРХИWOOD, а также лауреатом премии ADD AWARDS и обладателем дипломов Special Mention премии «Золотой Трезини».
О РАБОТЕ
В своем новом произведении паблик-арт-художник Марина Звягинцева обращается к идее, согласно которой человек, если описывать его как физическое явление и, более того, явление квантового мира, представляет собой скорее волну, нежели частицу: он находится в состоянии непрерывной трансформации. Инновационный центр «Сколково» как творческая агломерация наполнен людьми, которые меняются сами и стремятся менять к лучшему окружающую действительность. Эта динамика устроена подобно эквалайзеру: каждый пытается поймать свою волну и сонастроиться с другими.
Объект «На одной волне» развивает серию работ художницы о совмещении противоположностей через авторскую технику «биотипия» (живопись на движущейся воде). Дополнительные цвета потоками сливаются в неделимое и символизируют красоту единения разных взглядов. Синергия происходит на чувственном уровне, минуя логические умозаключения.
Зритель, взаимодействуя с произведением, обращается к своему внутреннему миру. Тем временем звуковая волна-скамья, наоборот, сближает его с другими людьми и подталкивает к тому, чтобы делиться мыслями, идеями, музыкой. Инсталляция-перевертыш дает возможность как отдохнуть и расслабиться, так и вовлечься в игру. Любой, кто сядет на скамейку, окажется лицом к лицу с другим человеком — так автор работы помогает развитию диалога между резидентами Инновационного центра «Сколково».
В своем новом произведении паблик-арт-художник Марина Звягинцева обращается к идее, согласно которой человек, если описывать его как физическое явление и, более того, явление квантового мира, представляет собой скорее волну, нежели частицу: он находится в состоянии непрерывной трансформации. Инновационный центр «Сколково» как творческая агломерация наполнен людьми, которые меняются сами и стремятся менять к лучшему окружающую действительность. Эта динамика устроена подобно эквалайзеру: каждый пытается поймать свою волну и сонастроиться с другими.
Объект «На одной волне» развивает серию работ художницы о совмещении противоположностей через авторскую технику «биотипия» (живопись на движущейся воде). Дополнительные цвета потоками сливаются в неделимое и символизируют красоту единения разных взглядов. Синергия происходит на чувственном уровне, минуя логические умозаключения.
Зритель, взаимодействуя с произведением, обращается к своему внутреннему миру. Тем временем звуковая волна-скамья, наоборот, сближает его с другими людьми и подталкивает к тому, чтобы делиться мыслями, идеями, музыкой. Инсталляция-перевертыш дает возможность как отдохнуть и расслабиться, так и вовлечься в игру. Любой, кто сядет на скамейку, окажется лицом к лицу с другим человеком — так автор работы помогает развитию диалога между резидентами Инновационного центра «Сколково».
«На одной волне»
МАРИНА ЗВЯГИНЦЕВА
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРАХ
Франциско Инфанте-Арана и Нонна Горюнова — пионеры кинетического искусства в России и одни из наиболее известных и влиятельных отечественных художников-кинетов в мировом контексте.
Франциско родился в 1943 году в селе Васильевка Саратовской области, Нонна — в 1944 году в Москве. Оба окончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Во время учебы, с 1962 по 1964 год, Инфанте-Арана входил в состав Содружества художников геометрического и метафизического направления. В 1968 году он начал работать совместно с Горюновой, и в 1970-м художники организовали группу «Арго» с целью разработки искусственных систем, аналогичных естественным явлениям. Возникновение этого объединения стало заметным авангардным событием того времени. Пять лет спустя Инфанте-Арана и Горюнова впервые инициировали вторжение искусства в природный ландшафт: они поместили в естественную среду созданные ими геометрические объекты, тем самым столкнув нерукотворное и искусственное начала. В разные годы природным контекстом выступали поле, лес, пляж, небосклон. «Артефакты» же представляли собой произведения, созданные из пленки, цветной бумаги, лесок и зеркал. Момент их встречи — то есть оптимального взаимодействия — фиксировался на фотокамеру, и отпечатки впоследствии воспроизводились небольшим тиражом. Этот тотальный художественный эксперимент красной нитью пронизал всё творчество соавторов: они и по сей день продолжают совершенствовать идею «артефактов».
В творческой биографии Франциско Инфанте и Нонны Горюновой — участие более чем в трехстах выставках в России и за рубежом. Их произведения украшают собой коллекции ведущих международных музеев и множество частных собраний. Художники живут и работают в Москве.
Франциско Инфанте-Арана и Нонна Горюнова — пионеры кинетического искусства в России и одни из наиболее известных и влиятельных отечественных художников-кинетов в мировом контексте.
Франциско родился в 1943 году в селе Васильевка Саратовской области, Нонна — в 1944 году в Москве. Оба окончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Во время учебы, с 1962 по 1964 год, Инфанте-Арана входил в состав Содружества художников геометрического и метафизического направления. В 1968 году он начал работать совместно с Горюновой, и в 1970-м художники организовали группу «Арго» с целью разработки искусственных систем, аналогичных естественным явлениям. Возникновение этого объединения стало заметным авангардным событием того времени. Пять лет спустя Инфанте-Арана и Горюнова впервые инициировали вторжение искусства в природный ландшафт: они поместили в естественную среду созданные ими геометрические объекты, тем самым столкнув нерукотворное и искусственное начала. В разные годы природным контекстом выступали поле, лес, пляж, небосклон. «Артефакты» же представляли собой произведения, созданные из пленки, цветной бумаги, лесок и зеркал. Момент их встречи — то есть оптимального взаимодействия — фиксировался на фотокамеру, и отпечатки впоследствии воспроизводились небольшим тиражом. Этот тотальный художественный эксперимент красной нитью пронизал всё творчество соавторов: они и по сей день продолжают совершенствовать идею «артефактов».
В творческой биографии Франциско Инфанте и Нонны Горюновой — участие более чем в трехстах выставках в России и за рубежом. Их произведения украшают собой коллекции ведущих международных музеев и множество частных собраний. Художники живут и работают в Москве.
О РАБОТЕ
Инсталляция «Машина в лесу» была задумана Франциско Инфанте и Нонной Горюновой еще в 1988 году и впервые реализована в октябре 1991 года в московской галерее «Риджина». Проект оказался совершенно неожиданным для публики, ведь традиционное для этого творческого дуэта контрастное высказывание, основанное на идее «артефакта» как художественного соединения искусственного объекта с природной средой, в замкнутом пространстве теряло привычную серьезность. Однако все принципы «артефактов» были соблюдены: построенная на эффектах отражения и движения работа представляла собой искусственную абстрактную геометрическую систему, в равной степени состоящую из выбранных материалов и преломлений окружающего света и цвета.
В версии 2024 года, созданной специально для фестиваля «Здесь и Сейчас», инсталляция интегрирована в пейзаж Инновационного центра «Сколково» и раскрывается в совершенно новом ключе. «Машина"-артефакт, выполненная в форме созвездия Большой Медведицы, уже не безучастна и не существует отдельно от природной среды. Напротив, отношения рукотворного объекта и окружающего пространства невероятно динамичны, и мы можем фиксировать происходящие в них изменения с течением суток и времен года. Исключительным свойством работы является то, что, в отличие от большинства произведений этого авторского тандема, она предлагает зрителю роль не просто наблюдателя, а непосредственного актора, способного влиять на скорость и силу взаимодействия объекта со средой.
Инсталляция «Машина в лесу» была задумана Франциско Инфанте и Нонной Горюновой еще в 1988 году и впервые реализована в октябре 1991 года в московской галерее «Риджина». Проект оказался совершенно неожиданным для публики, ведь традиционное для этого творческого дуэта контрастное высказывание, основанное на идее «артефакта» как художественного соединения искусственного объекта с природной средой, в замкнутом пространстве теряло привычную серьезность. Однако все принципы «артефактов» были соблюдены: построенная на эффектах отражения и движения работа представляла собой искусственную абстрактную геометрическую систему, в равной степени состоящую из выбранных материалов и преломлений окружающего света и цвета.
В версии 2024 года, созданной специально для фестиваля «Здесь и Сейчас», инсталляция интегрирована в пейзаж Инновационного центра «Сколково» и раскрывается в совершенно новом ключе. «Машина"-артефакт, выполненная в форме созвездия Большой Медведицы, уже не безучастна и не существует отдельно от природной среды. Напротив, отношения рукотворного объекта и окружающего пространства невероятно динамичны, и мы можем фиксировать происходящие в них изменения с течением суток и времен года. Исключительным свойством работы является то, что, в отличие от большинства произведений этого авторского тандема, она предлагает зрителю роль не просто наблюдателя, а непосредственного актора, способного влиять на скорость и силу взаимодействия объекта со средой.
«Машина в лесу 1991/2024»
ФРАНЦИСКО ИНФАНТЕ-АРАНА И НОННА ГОРЮНОВА
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
В своей практике междисциплинарный художник Лев Ефимов экспериментирует с такими медиа, как живопись, скульптура и инсталляция. Дебютировав как художник в псковском стрит-арте, он проделал путь до международного fashion-фотографа, сотрудничающего с Grazia, Vogue, Tatler и другими изданиями. Работа с фотографией и увлечение классической архитектурой сформировали творческий интерес автора к объемным пластичным формам и их взаимодействию с пространством. Ефимов отводит важную роль элементу случайности в художественном процессе. «Рождаемое часто удивляет меня самого, и работа над новым объектом для меня практически всегда является импровизацией, в которой участвую не только я, но и сам материал», — рассказывает художник.
В настоящий момент Лев сотрудничает с галереей Surface Lab Art, а также является владельцем скульптурной мастерской, которую он открыл в Москве в 2021 году. Работы художника в жанре паблик-арта в разное время украшали территории Музея-заповедника «Архангельское» и Парка Горького. Постоянные объекты авторства Ефимова представлены в Парке искусств «Музеон» и на территории ЖК Headliner в Москве.
В своей практике междисциплинарный художник Лев Ефимов экспериментирует с такими медиа, как живопись, скульптура и инсталляция. Дебютировав как художник в псковском стрит-арте, он проделал путь до международного fashion-фотографа, сотрудничающего с Grazia, Vogue, Tatler и другими изданиями. Работа с фотографией и увлечение классической архитектурой сформировали творческий интерес автора к объемным пластичным формам и их взаимодействию с пространством. Ефимов отводит важную роль элементу случайности в художественном процессе. «Рождаемое часто удивляет меня самого, и работа над новым объектом для меня практически всегда является импровизацией, в которой участвую не только я, но и сам материал», — рассказывает художник.
В настоящий момент Лев сотрудничает с галереей Surface Lab Art, а также является владельцем скульптурной мастерской, которую он открыл в Москве в 2021 году. Работы художника в жанре паблик-арта в разное время украшали территории Музея-заповедника «Архангельское» и Парка Горького. Постоянные объекты авторства Ефимова представлены в Парке искусств «Музеон» и на территории ЖК Headliner в Москве.
О РАБОТЕ
«Слово» («Атом»)
лев ефимов
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В начале было слово
Ин. 1:1
Ин. 1:1
В своей работе художник обращается к теории Большого взрыва, а именно к космологической сингулярности — предполагаемому начальному состоянию Вселенной. Льва вдохновляет мысль о том, что исходная точка, олицетворявшая единичность существа, взорвавшись, превратилась в постоянно растущее множество, начала «строить» миры. Выбранная Ефимовым форма сферы естественным образом воспринимается и как атом, и как будущие планеты. Зеркальность и рефлектность произведения дополняет авторскую идею: в то время как объект своей динамикой стремится к расширению, его отражающая поверхность буквально втягивает в себя окружающее пространство.
Подобный аллегорический подход свойственен художнику: собирая разбросанные фрагменты впечатлений от формы, цвета, материалов, автор не стремится воссоздать красоту в ее материальном воплощении, но скорее передает эмоцию и дух, наполняющие тот или иной объект. Он словно наделяет абстрактный материал живой энергией. Баланс привычного и необычайного, традиционного и нового, естественного и искусственного, который мы находим в работах Ефимова, погружает нас в некий альтернативный мир, в котором случайные сочетания, концепции и решения являются инструментами для поиска свободы в постижении мира.
Подобный аллегорический подход свойственен художнику: собирая разбросанные фрагменты впечатлений от формы, цвета, материалов, автор не стремится воссоздать красоту в ее материальном воплощении, но скорее передает эмоцию и дух, наполняющие тот или иной объект. Он словно наделяет абстрактный материал живой энергией. Баланс привычного и необычайного, традиционного и нового, естественного и искусственного, который мы находим в работах Ефимова, погружает нас в некий альтернативный мир, в котором случайные сочетания, концепции и решения являются инструментами для поиска свободы в постижении мира.
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Карта росписей
При поддержке
Росписи
и художники
ИЛЬЯ БЛИНОВ (SLAK)
Калейдоскоп — это многообразие света, цвета и формы. Так и одноименная работа Ильи Блинова, известного под псевдонимом Slak, соткана из множества составляющих, которые складываются в целостное полотно. Идея мурала символично отражает характер места, для которого он создавался. При малейшем вращении калейдоскопа узор в нем меняется — так и в Инновационном центре «Сколково» каждый проект и каждая инициатива добавляют свою уникальную ноту в общую симфонию инноваций, ежедневно открывая новые горизонты и возможности. Здесь сосредоточены стартапы и компании, работающие в разных областях: от биотехнологий и энергетики до информационных технологий и искусственного интеллекта. Действуя самодостаточно, вместе они образуют мощную и постоянно развивающуюся экосистему.
Произведение Ильи Slak — это метафора синергии, возникающей в «Сколково». Мы смотрим на работу и видим целостную картину: даже если разбить ее на части, каждая из них будет рассказывать собственную историю и выглядеть гармонично. Так и в Инновационном центре: несмотря на разнообразие направлений и проектов, все они связаны общей целью. В этом калейдоскопе идей каждый элемент важен, каждый проект имеет значение, а вместе они формируют уникальную картину будущего.
Илья Блинов (Slak) — художник из города Белоозёрский Московской области. Первый творческий опыт с аэрозолем на стене, состоявшийся в 2003 году, в корне изменил его дальнейшую жизнь. За плечами художника уже десятки проектов, реализованных в рамках арт-фестивалей, коллективных выставок и ярмарок во многих городах России и за рубежом, а также множество примеров сотрудничества с ведущими брендами.
Стиль Ильи Slak — преимущественно беспредметная абстракция на основе геометрического конструктива. Художник стремится существовать вне времени: как правило, каждое его произведение — иллюстрация внутреннего состояния в момент творения. Автор работает как с монументальной росписью, так и со студийными форматами, экспериментируя преимущественно с холстом, бумагой и деревом. Его источники вдохновения — это электронная музыка, архитектура и любые геометрические природные формы.
об авторе
о работе
«Калейдоскоп»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ИВАН НАЙНТИ
Основная тема творчества Ивана Найнти — переосмысление категории постпамяти, актуальной на сегодняшний день. В своих произведениях художник исследует точки соприкосновения исторического и современного, задействуя цифровые и аналоговые медиа. Один из стилистических аспектов его работ — сочетание реализма и абстрактных элементов.
Произведение «По ту сторону экрана» относится к авторской художественной серии, посвященной исследованию взаимодействия человека и техники. В данном случае мы имеем дело с вычислительной машиной. На одной плоскости объекта изображен человек, сидящий за компьютером, — он напоминает нам о современных достижениях техники. Похоже, он отправляет нам послание, за расшифровку которого берется герой с обратной стороны. Этот процесс давно автоматизирован, однако автор представляет ситуацию, в которой функцию машины выполняет человек. Эти образы дополняются абстрактными фрагментами оригинальных бумажных коллажей и паттерн-пикселем, ассоциирующимся у художника с графической единицей. При создании эскиза росписи для проекта в Инновационном центре «Сколково» Иван Найнти вдохновлялся цианотипией — одной из ранних техник ручной фотопечати в оттенках синего, и этим продиктовано колористическое решение работы.
Иван Найнти — художник из города Протвино Московской области, по образованию — инженер-программист и графический дизайнер. Начав в 2007 году с классического граффити и аналоговой фотографии, в дальнейшем он сосредоточился на создании произведений из собственных материалов методами бумажного и цифрового коллажа. Художнику близка эстетика старых техник фотопечати, и он выполняет работы в монохромных палитрах в оттенках цианотипии, сепии и черно-белых фотографий.
Иван Найнти принимал участие в различных фестивалях и мероприятиях, посвященных уличному искусству. Он создал множество муралов по всей России: в Протвино, Москве, Владимире, Туле, Калининграде, Апатитах, Нижнем Новгороде, Астрахани, Альметьевске, Екатеринбурге, Уфе, Тюмени, Новосибирске, Шерегеше, Новокузнецке и на Сахалине. В портфолио художника есть и международные проекты: в 2017 году он выполнил мурал в соавторстве с немецким художником Йоханнесом Мундингером в польском городе Лодзь, в 2018-м — участвовал в фестивале городского искусства Arte Core в Рио-де-Жанейро, а в 2024 году провел там же персональную выставку.
об авторе
о работе
«По ту сторону экрана»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ВЛАДИСЛАВ ДАКЕС
В своем творчестве Владислав Дакес использует семиотический подход. Он исследует философию языка и коммуникации, а также воздействие культурных кодов и элементов городской среды на механизмы нашего восприятия. Линии, формы, цвета, композиции и текстуры в его работах — это знаковая система, с помощью которой художник выражает сложные философские концепты и свои мысли о влиянии языка на сознание.
Создавая эту работу для фестиваля «Здесь и Сейчас», Владислав Дакес задумывался о роли эксперимента в искусстве и науке. В названии художник использовал выражение, которое можно отнести к так называемой синергетической арифметике.
Распространено мнение, что арифметика синергии не имеет математического смысла, но отражает важные характеристики творческих, социальных и научных процессов. Автор опирается на эту концепцию и утверждает, что при сочетании двух отдельных компонентов, а именно теории (1) и практики (1), рождается результат (3) — объект, концепт, форма. Теперь этот принцип наглядно демонстрируется в Инновационном центре «Сколково».
Владислав Дакес — современный художник, практикующий дизайнер и креатор из Сочи. Он работает с графикой и коллажем, создает объекты, инсталляции и росписи в пространстве города. Владислав окончил Британскую высшую школу дизайна, где углубленно изучал техники ручной печати, философию медиа и теорию коммуникаций. Эти знания в синтезе с уличными практиками легли в основу его творческих экспериментов.
Владислав входит в состав сочинской команды уличных художников Valgalo Company. В его портфолио несколько арт-объектов в разных городах России. В 2024 году Владислав принял участие в Биеннале визуальных искусств в Серпухове, в рамках которой создал на фасаде здания принт-оммаж Василию Кандинскому, а также инсталляцию «Арт-скважина.1928» — уменьшенную копию утраченной водонапорной башни над артезианским источником.
об авторе
о работе
«1+1=3»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
АНДРЕЙ ОЛЕНЕВ
«Искусство — это „я“, наука — это „мы“», — утверждал Клод Бернар, французский учёный и один из основоположников современной физиологии. Смысл его высказывания в том, что, в противовес творческому индивидуализму, научная деятельность — явление общественное и всеобъемлющее. Она фундаментальна и предельна в своей последовательности и тем самым может представлять собой идеальный образец перпетуум-мобиле, ведь, будучи однажды запущенным, процесс познания не может быть остановлен: он словно черпает энергию сам в себе.
В росписи, созданной Андреем Оленевым, образы ламп выступают символами новых идей и творений. В Инновационном центре «Сколково» живут и работают учёные, изобретатели, технологические и креативные предприниматели, студенты и преподаватели, чьи исследования и творчество питают общество и город, виднеющийся на заднем плане. С обратной стороны на фоне природы лампы превращаются в сосуды, которые наполняются живой, кристально чистой водой, что указывает на естественность и безусловность этого процесса развития.
Андрей Оленев — современный художник из Нижнего Новгорода. Он приобрел известность в середине 2010-х годов благодаря масштабным росписям, которые создавал на старинных деревянных домах в историческом центре Нижнего Новгорода. Актуализация уходящей натуры в этих работах причудливо сочеталась с авторскими сюжетами, навеянными искусством Северного Возрождения. Сегодня Андрей Оленев развивает свой художественный метод и в студийных практиках, и в паблик-арт-проектах, и в инсталляциях, в которых живописные образы получают объём и материальное воплощение.
В копилке художника — более десятка групповых выставок, в том числе в рамках пятой и шестой Уральских индустриальных биеннале современного искусства, а также в составе проектов Музея-заповедника «Царицыно», Государственного центра современного искусства, Музея современного искусства PERMM и нижегородского Арсенала. География его состоявшихся персональных экспозиций охватывает Нижний Новгород, Москву и Санкт-Петербург. Андрей Оленев является резидентом студии «Тихая» — мастерской и центра современного искусства в Нижнем Новгороде.
об авторе
о работе
«Творец»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
АНАТОЛИЙ AKUE
Анатолий Akue исследует медитативные практики, изучает различные аспекты психологии личности и их связь с творчеством.
Создавая эскиз нового произведения, автор размышлял на тему необратимости изменений и трансформаций. Зачастую мы не замечаем сопровождающие нас ежедневные перемены, а порой и вовсе не можем отдать себе отчет в том, что нами движет и куда оно нас приведет. Эта работа отражает мысли художника о личностной и социальной динамике, о естественном ритме преобразований окружающих пространств — как природных, так и урбанистических — и о глубине восприятия перемен нашим сознанием.
Произведение автора — это застывшая в моменте метаморфоза. Если обойти объект вокруг, можно заметить, как «зацикливается» ритм: он провоцирует нас на то, чтобы продолжать движение. При этом пространство внутри объекта дает возможность замедлиться и углубиться в свои ощущения. Это метафора человеческой жизни: напряжение и расслабление, вдох и выдох, спокойствие и скорость. Выбор состояния остается за зрителем.
Анатолий Akue — художник-абстракционист, граффити-райтер, график и живописец. На уличную сцену он попал ещё в конце 90-х годов. Анатолий — один из немногих современных авторов, продолжающих свое творческое развитие в поисках новых средств художественного повествования. Его произведения основаны на синтезе экспрессии, выразительности и одновременно с этим точности в деталях.
Анатолий Akue принимал участие во множестве значимых уличных фестивалей в России на протяжении последнего десятилетия. Его мурал для проекта Station Russia был представлен в Национальном павильоне России на XVI Венецианской архитектурной биеннале в 2018 году. В мире современного искусства работы художника представляет московская галерея «Триумф». Помимо этого, произведения Akue можно увидеть на стенах в России, Германии, Италии, Нидерландах, Дании, Черногории, Японии, Австралии, Мексике и других странах.
об авторе
о работе
«Change»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОЛЯ «INEY» ЧИКИНА
Поиск идентичности — одна из главных тем в творчестве Оли INEY. Погружаясь в работу, художница будто стремится достроить себя и расширить границы знаний о своей стране через переосмысление её артефактов. Она исследует русскую и российскую культуру и историю, наши ценности и символы, героев и ритуалы. В произведениях Оли возникает симбиоз отечественного визуального кода и репрезентации личного опыта: таким способом она конструирует новые миры и пространства.
На эту работу художницу вдохновило столь созвучное Инновационному центру «Сколково» понятие «технологичности» и то, каким образом оно раскрывается в нашей действительности. Сегодня, благодаря технологиям, жизнь современного человека можно упорядочить. Так и в этой росписи художница разложила собственный хаос, состоящий из мыслей и визуальных образов, на элементы, которые в итоге выстроились в строгую геометрическую схему. При этом Оля INEY намеренно избегала изображений конкретных научно-технологических символов, чтобы передать исследуемое понятие через общее архитектурное впечатление.
Оля «INEY» Чикина — современная художница из Москвы. В 2000-х, на волне роста популярности хип-хопа в России, Оля начала свой творческий путь с граффити. Теперь она постоянная участница выставок и фестивалей уличного искусства, среди которых Moscow Urban Art Fair, «Артмоссфера», Faces & Laces и многие другие. В 2024 году студийные работы художницы экспонировались в Новой Третьяковке.
Во время учебы в Британской высшей школе дизайна Оля заинтересовалась русским фольклором. Черпая вдохновение в народных сказках, она трансформирует известных персонажей и изобретает новых, воплощает на плоскости яркие оптические иллюзии. Её творческий метод — это смешение традиционных мотивов и современной реальности. Художница пишет картины, создает фанерные панно и муралы. Для её манеры характерна насыщенная и контрастная цветовая палитра, а произведения ироничны по содержанию.
об авторе
о работе
«Без названия»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ЕВГЕНИЙ МАЛЫШЕВ (JÖN)
В созданном для фестиваля «Здесь и Сейчас» произведении Евгений Малышев, известный под творческим псевдонимом Jön, развивает уже давно исследуемую им тему коллективной памяти, краха старой аналоговой оптики и прихода на ее место новой — цифровой. В его работе живописное изображение распадается подобно осколкам воспоминаний или помехам на экране компьютера. В основу сюжета автор закладывает конструирование оригинального образа по принципу работы нейросети — производства нового из ранее созданного путем перекомпоновки готовых деталей.
Работы художника отсылают к склонности человеческой памяти фрагментировать и пересобирать воспоминания при неоднократном возвращении к ним. Он также обращается к средствам, способным эту память расширять. Старые черно-белые фотографии из семейных архивов, мемуары, произведения искусства, кадры из фильмов… Что люди помнят на самом деле и насколько настоящей является их память? Когда человек мысленно обращается к чему-то в прошлом, его воспоминания «перезаписываются». Тем не менее, есть вероятность, что с развитием технологий и нейросетей, изобретенных в Инновационном центре «Сколково», у людей смогут появляться новые сгенерированные воспоминания и новая история.
Евгений Малышев (Jön) — современный художник из Калининграда. На формирование его творческого пути повлияли работы пионеров калининградского граффити, история региона, колорит локальных пейзажей и эстетика местных «заброшек». Художник поднимает и исследует темы ностальгии и переходных состояний, памяти и размышлений о времени, распада старого и возникновения нового. Свои уличные работы он создает как на заброшенных объектах, так и в публичных пространствах.
Jön — участник десятка коллективных выставок и фестивалей современного и уличного искусства в России и за рубежом. Его работы демонстрировались в проектах по всей стране: в Москве, Калининграде, Екатеринбурге, Нижнем Новгороде, Тюмени, Уфе и других городах. В 2023 году в галерее 159 °F Gallerie пространства Cube. Moscow состоялась первая персональная выставка художника — «Редкие виды».
об авторе
о работе
«Воспоминание»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
Росписи
и художники
и художники
ОБ АВТОРЕ
Илья Блинов (Slak) — художник из города Белоозёрский Московской области. Первый творческий опыт с аэрозолем на стене, состоявшийся в 2003 году, в корне изменил его дальнейшую жизнь. За плечами художника уже десятки проектов, реализованных в рамках арт-фестивалей, коллективных выставок и ярмарок во многих городах России и за рубежом, а также множество примеров сотрудничества с ведущими брендами.
Стиль Ильи Slak — преимущественно беспредметная абстракция на основе геометрического конструктива. Художник стремится существовать вне времени: как правило, каждое его произведение — иллюстрация внутреннего состояния в момент творения. Автор работает как с монументальной росписью, так и со студийными форматами, экспериментируя преимущественно с холстом, бумагой и деревом. Его источники вдохновения — это электронная музыка, архитектура и любые геометрические природные формы.
Илья Блинов (Slak) — художник из города Белоозёрский Московской области. Первый творческий опыт с аэрозолем на стене, состоявшийся в 2003 году, в корне изменил его дальнейшую жизнь. За плечами художника уже десятки проектов, реализованных в рамках арт-фестивалей, коллективных выставок и ярмарок во многих городах России и за рубежом, а также множество примеров сотрудничества с ведущими брендами.
Стиль Ильи Slak — преимущественно беспредметная абстракция на основе геометрического конструктива. Художник стремится существовать вне времени: как правило, каждое его произведение — иллюстрация внутреннего состояния в момент творения. Автор работает как с монументальной росписью, так и со студийными форматами, экспериментируя преимущественно с холстом, бумагой и деревом. Его источники вдохновения — это электронная музыка, архитектура и любые геометрические природные формы.
О РАБОТЕ
Калейдоскоп — это многообразие света, цвета и формы. Так и одноименная работа Ильи Блинова, известного под псевдонимом Slak, соткана из множества составляющих, которые складываются в целостное полотно. Идея мурала символично отражает характер места, для которого он создавался. При малейшем вращении калейдоскопа узор в нем меняется — так и в Инновационном центре «Сколково» каждый проект и каждая инициатива добавляют свою уникальную ноту в общую симфонию инноваций, ежедневно открывая новые горизонты и возможности. Здесь сосредоточены стартапы и компании, работающие в разных областях: от биотехнологий и энергетики до информационных технологий и искусственного интеллекта. Действуя самодостаточно, вместе они образуют мощную и постоянно развивающуюся экосистему.
Произведение Ильи Slak — это метафора синергии, возникающей в «Сколково». Мы смотрим на работу и видим целостную картину: даже если разбить ее на части, каждая из них будет рассказывать собственную историю и выглядеть гармонично. Так и в Инновационном центре: несмотря на разнообразие направлений и проектов, все они связаны общей целью. В этом калейдоскопе идей каждый элемент важен, каждый проект имеет значение, а вместе они формируют уникальную картину будущего.
Калейдоскоп — это многообразие света, цвета и формы. Так и одноименная работа Ильи Блинова, известного под псевдонимом Slak, соткана из множества составляющих, которые складываются в целостное полотно. Идея мурала символично отражает характер места, для которого он создавался. При малейшем вращении калейдоскопа узор в нем меняется — так и в Инновационном центре «Сколково» каждый проект и каждая инициатива добавляют свою уникальную ноту в общую симфонию инноваций, ежедневно открывая новые горизонты и возможности. Здесь сосредоточены стартапы и компании, работающие в разных областях: от биотехнологий и энергетики до информационных технологий и искусственного интеллекта. Действуя самодостаточно, вместе они образуют мощную и постоянно развивающуюся экосистему.
Произведение Ильи Slak — это метафора синергии, возникающей в «Сколково». Мы смотрим на работу и видим целостную картину: даже если разбить ее на части, каждая из них будет рассказывать собственную историю и выглядеть гармонично. Так и в Инновационном центре: несмотря на разнообразие направлений и проектов, все они связаны общей целью. В этом калейдоскопе идей каждый элемент важен, каждый проект имеет значение, а вместе они формируют уникальную картину будущего.
«Калейдоскоп»
ИЛЬЯ БЛИНОВ (SLAK)
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Иван Найнти — художник из города Протвино Московской области, по образованию — инженер-программист и графический дизайнер. Начав в 2007 году с классического граффити и аналоговой фотографии, в дальнейшем он сосредоточился на создании произведений из собственных материалов методами бумажного и цифрового коллажа. Художнику близка эстетика старых техник фотопечати, и он выполняет работы в монохромных палитрах в оттенках цианотипии, сепии и черно-белых фотографий.
Иван Найнти принимал участие в различных фестивалях и мероприятиях, посвященных уличному искусству. Он создал множество муралов по всей России: в Протвино, Москве, Владимире, Туле, Калининграде, Апатитах, Нижнем Новгороде, Астрахани, Альметьевске, Екатеринбурге, Уфе, Тюмени, Новосибирске, Шерегеше, Новокузнецке и на Сахалине. В портфолио художника есть и международные проекты: в 2017 году он выполнил мурал в соавторстве с немецким художником Йоханнесом Мундингером в польском городе Лодзь, в 2018-м — участвовал в фестивале городского искусства Arte Core в Рио-де-Жанейро, а в 2024 году провел там же персональную выставку.
Иван Найнти — художник из города Протвино Московской области, по образованию — инженер-программист и графический дизайнер. Начав в 2007 году с классического граффити и аналоговой фотографии, в дальнейшем он сосредоточился на создании произведений из собственных материалов методами бумажного и цифрового коллажа. Художнику близка эстетика старых техник фотопечати, и он выполняет работы в монохромных палитрах в оттенках цианотипии, сепии и черно-белых фотографий.
Иван Найнти принимал участие в различных фестивалях и мероприятиях, посвященных уличному искусству. Он создал множество муралов по всей России: в Протвино, Москве, Владимире, Туле, Калининграде, Апатитах, Нижнем Новгороде, Астрахани, Альметьевске, Екатеринбурге, Уфе, Тюмени, Новосибирске, Шерегеше, Новокузнецке и на Сахалине. В портфолио художника есть и международные проекты: в 2017 году он выполнил мурал в соавторстве с немецким художником Йоханнесом Мундингером в польском городе Лодзь, в 2018-м — участвовал в фестивале городского искусства Arte Core в Рио-де-Жанейро, а в 2024 году провел там же персональную выставку.
О РАБОТЕ
Основная тема творчества Ивана Найнти — переосмысление категории постпамяти, актуальной на сегодняшний день. В своих произведениях художник исследует точки соприкосновения исторического и современного, задействуя цифровые и аналоговые медиа. Один из стилистических аспектов его работ — сочетание реализма и абстрактных элементов.
Произведение «По ту сторону экрана» относится к авторской художественной серии, посвященной исследованию взаимодействия человека и техники. В данном случае мы имеем дело с вычислительной машиной. На одной плоскости объекта изображен человек, сидящий за компьютером, — он напоминает нам о современных достижениях техники. Похоже, он отправляет нам послание, за расшифровку которого берется герой с обратной стороны. Этот процесс давно автоматизирован, однако автор представляет ситуацию, в которой функцию машины выполняет человек. Эти образы дополняются абстрактными фрагментами оригинальных бумажных коллажей и паттерн-пикселем, ассоциирующимся у художника с графической единицей. При создании эскиза росписи для проекта в Инновационном центре «Сколково» Иван Найнти вдохновлялся цианотипией — одной из ранних техник ручной фотопечати в оттенках синего, и этим продиктовано колористическое решение работы.
Основная тема творчества Ивана Найнти — переосмысление категории постпамяти, актуальной на сегодняшний день. В своих произведениях художник исследует точки соприкосновения исторического и современного, задействуя цифровые и аналоговые медиа. Один из стилистических аспектов его работ — сочетание реализма и абстрактных элементов.
Произведение «По ту сторону экрана» относится к авторской художественной серии, посвященной исследованию взаимодействия человека и техники. В данном случае мы имеем дело с вычислительной машиной. На одной плоскости объекта изображен человек, сидящий за компьютером, — он напоминает нам о современных достижениях техники. Похоже, он отправляет нам послание, за расшифровку которого берется герой с обратной стороны. Этот процесс давно автоматизирован, однако автор представляет ситуацию, в которой функцию машины выполняет человек. Эти образы дополняются абстрактными фрагментами оригинальных бумажных коллажей и паттерн-пикселем, ассоциирующимся у художника с графической единицей. При создании эскиза росписи для проекта в Инновационном центре «Сколково» Иван Найнти вдохновлялся цианотипией — одной из ранних техник ручной фотопечати в оттенках синего, и этим продиктовано колористическое решение работы.
«По ту сторону экрана»
ИВАН НАЙНТИ
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Владислав Дакес — современный художник, практикующий дизайнер и креатор из Сочи. Он работает с графикой и коллажем, создает объекты, инсталляции и росписи в пространстве города. Владислав окончил Британскую высшую школу дизайна, где углубленно изучал техники ручной печати, философию медиа и теорию коммуникаций. Эти знания в синтезе с уличными практиками легли в основу его творческих экспериментов.
Владислав входит в состав сочинской команды уличных художников Valgalo Company. В его портфолио несколько арт-объектов в разных городах России. В 2024 году Владислав принял участие в Биеннале визуальных искусств в Серпухове, в рамках которой создал на фасаде здания принт-оммаж Василию Кандинскому, а также инсталляцию «Арт-скважина.1928» — уменьшенную копию утраченной водонапорной башни над артезианским источником
Владислав Дакес — современный художник, практикующий дизайнер и креатор из Сочи. Он работает с графикой и коллажем, создает объекты, инсталляции и росписи в пространстве города. Владислав окончил Британскую высшую школу дизайна, где углубленно изучал техники ручной печати, философию медиа и теорию коммуникаций. Эти знания в синтезе с уличными практиками легли в основу его творческих экспериментов.
Владислав входит в состав сочинской команды уличных художников Valgalo Company. В его портфолио несколько арт-объектов в разных городах России. В 2024 году Владислав принял участие в Биеннале визуальных искусств в Серпухове, в рамках которой создал на фасаде здания принт-оммаж Василию Кандинскому, а также инсталляцию «Арт-скважина.1928» — уменьшенную копию утраченной водонапорной башни над артезианским источником
О РАБОТЕ
В своем творчестве Владислав Дакес использует семиотический подход. Он исследует философию языка и коммуникации, а также воздействие культурных кодов и элементов городской среды на механизмы нашего восприятия. Линии, формы, цвета, композиции и текстуры в его работах — это знаковая система, с помощью которой художник выражает сложные философские концепты и свои мысли о влиянии языка на сознание.
Создавая эту работу для фестиваля «Здесь и Сейчас», Владислав Дакес задумывался о роли эксперимента в искусстве и науке. В названии художник использовал выражение, которое можно отнести к так называемой синергетической арифметике.
Распространено мнение, что арифметика синергии не имеет математического смысла, но отражает важные характеристики творческих, социальных и научных процессов. Автор опирается на эту концепцию и утверждает, что при сочетании двух отдельных компонентов, а именно теории (1) и практики (1), рождается результат (3) — объект, концепт, форма. Теперь этот принцип наглядно демонстрируется в Инновационном центре «Сколково».
В своем творчестве Владислав Дакес использует семиотический подход. Он исследует философию языка и коммуникации, а также воздействие культурных кодов и элементов городской среды на механизмы нашего восприятия. Линии, формы, цвета, композиции и текстуры в его работах — это знаковая система, с помощью которой художник выражает сложные философские концепты и свои мысли о влиянии языка на сознание.
Создавая эту работу для фестиваля «Здесь и Сейчас», Владислав Дакес задумывался о роли эксперимента в искусстве и науке. В названии художник использовал выражение, которое можно отнести к так называемой синергетической арифметике.
Распространено мнение, что арифметика синергии не имеет математического смысла, но отражает важные характеристики творческих, социальных и научных процессов. Автор опирается на эту концепцию и утверждает, что при сочетании двух отдельных компонентов, а именно теории (1) и практики (1), рождается результат (3) — объект, концепт, форма. Теперь этот принцип наглядно демонстрируется в Инновационном центре «Сколково».
«1+1=3»
ВЛАДИСЛАВ ДАКЕС
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Андрей Оленев — современный художник из Нижнего Новгорода. Он приобрел известность в середине 2010-х годов благодаря масштабным росписям, которые создавал на старинных деревянных домах в историческом центре Нижнего Новгорода. Актуализация уходящей натуры в этих работах причудливо сочеталась с авторскими сюжетами, навеянными искусством Северного Возрождения. Сегодня Андрей Оленев развивает свой художественный метод и в студийных практиках, и в паблик-арт-проектах, и в инсталляциях, в которых живописные образы получают объём и материальное воплощение.
В копилке художника — более десятка групповых выставок, в том числе в рамках пятой и шестой Уральских индустриальных биеннале современного искусства, а также в составе проектов Музея-заповедника «Царицыно», Государственного центра современного искусства, Музея современного искусства PERMM и нижегородского Арсенала. География его состоявшихся персональных экспозиций охватывает Нижний Новгород, Москву и Санкт-Петербург. Андрей Оленев является резидентом студии «Тихая» — мастерской и центра современного искусства в Нижнем Новгороде.
Андрей Оленев — современный художник из Нижнего Новгорода. Он приобрел известность в середине 2010-х годов благодаря масштабным росписям, которые создавал на старинных деревянных домах в историческом центре Нижнего Новгорода. Актуализация уходящей натуры в этих работах причудливо сочеталась с авторскими сюжетами, навеянными искусством Северного Возрождения. Сегодня Андрей Оленев развивает свой художественный метод и в студийных практиках, и в паблик-арт-проектах, и в инсталляциях, в которых живописные образы получают объём и материальное воплощение.
В копилке художника — более десятка групповых выставок, в том числе в рамках пятой и шестой Уральских индустриальных биеннале современного искусства, а также в составе проектов Музея-заповедника «Царицыно», Государственного центра современного искусства, Музея современного искусства PERMM и нижегородского Арсенала. География его состоявшихся персональных экспозиций охватывает Нижний Новгород, Москву и Санкт-Петербург. Андрей Оленев является резидентом студии «Тихая» — мастерской и центра современного искусства в Нижнем Новгороде.
О РАБОТЕ
«Искусство — это „я“, наука — это „мы“», — утверждал Клод Бернар, французский учёный и один из основоположников современной физиологии. Смысл его высказывания в том, что, в противовес творческому индивидуализму, научная деятельность — явление общественное и всеобъемлющее. Она фундаментальна и предельна в своей последовательности и тем самым может представлять собой идеальный образец перпетуум-мобиле, ведь, будучи однажды запущенным, процесс познания не может быть остановлен: он словно черпает энергию сам в себе.
В росписи, созданной Андреем Оленевым, образы ламп выступают символами новых идей и творений. В Инновационном центре «Сколково» живут и работают учёные, изобретатели, технологические и креативные предприниматели, студенты и преподаватели, чьи исследования и творчество питают общество и город, виднеющийся на заднем плане. С обратной стороны на фоне природы лампы превращаются в сосуды, которые наполняются живой, кристально чистой водой, что указывает на естественность и безусловность этого процесса развития.
«Искусство — это „я“, наука — это „мы“», — утверждал Клод Бернар, французский учёный и один из основоположников современной физиологии. Смысл его высказывания в том, что, в противовес творческому индивидуализму, научная деятельность — явление общественное и всеобъемлющее. Она фундаментальна и предельна в своей последовательности и тем самым может представлять собой идеальный образец перпетуум-мобиле, ведь, будучи однажды запущенным, процесс познания не может быть остановлен: он словно черпает энергию сам в себе.
В росписи, созданной Андреем Оленевым, образы ламп выступают символами новых идей и творений. В Инновационном центре «Сколково» живут и работают учёные, изобретатели, технологические и креативные предприниматели, студенты и преподаватели, чьи исследования и творчество питают общество и город, виднеющийся на заднем плане. С обратной стороны на фоне природы лампы превращаются в сосуды, которые наполняются живой, кристально чистой водой, что указывает на естественность и безусловность этого процесса развития.
«Творец»
АНДРЕЙ ОЛЕНЕВ
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Анатолий Akue — художник-абстракционист, граффити-райтер, график и живописец. На уличную сцену он попал ещё в конце 90-х годов. Анатолий — один из немногих современных авторов, продолжающих свое творческое развитие в поисках новых средств художественного повествования. Его произведения основаны на синтезе экспрессии, выразительности и одновременно с этим точности в деталях.
Анатолий Akue принимал участие во множестве значимых уличных фестивалей в России на протяжении последнего десятилетия. Его мурал для проекта Station Russia был представлен в Национальном павильоне России на XVI Венецианской архитектурной биеннале в 2018 году. В мире современного искусства работы художника представляет московская галерея «Триумф». Помимо этого, произведения Akue можно увидеть на стенах в России, Германии, Италии, Нидерландах, Дании, Черногории, Японии, Австралии, Мексике и других странах.
Анатолий Akue — художник-абстракционист, граффити-райтер, график и живописец. На уличную сцену он попал ещё в конце 90-х годов. Анатолий — один из немногих современных авторов, продолжающих свое творческое развитие в поисках новых средств художественного повествования. Его произведения основаны на синтезе экспрессии, выразительности и одновременно с этим точности в деталях.
Анатолий Akue принимал участие во множестве значимых уличных фестивалей в России на протяжении последнего десятилетия. Его мурал для проекта Station Russia был представлен в Национальном павильоне России на XVI Венецианской архитектурной биеннале в 2018 году. В мире современного искусства работы художника представляет московская галерея «Триумф». Помимо этого, произведения Akue можно увидеть на стенах в России, Германии, Италии, Нидерландах, Дании, Черногории, Японии, Австралии, Мексике и других странах.
О РАБОТЕ
Анатолий Akue исследует медитативные практики, изучает различные аспекты психологии личности и их связь с творчеством.
Создавая эскиз нового произведения, автор размышлял на тему необратимости изменений и трансформаций. Зачастую мы не замечаем сопровождающие нас ежедневные перемены, а порой и вовсе не можем отдать себе отчет в том, что нами движет и куда оно нас приведет. Эта работа отражает мысли художника о личностной и социальной динамике, о естественном ритме преобразований окружающих пространств — как природных, так и урбанистических — и о глубине восприятия перемен нашим сознанием.
Произведение автора — это застывшая в моменте метаморфоза. Если обойти объект вокруг, можно заметить, как «зацикливается» ритм: он провоцирует нас на то, чтобы продолжать движение. При этом пространство внутри объекта дает возможность замедлиться и углубиться в свои ощущения. Это метафора человеческой жизни: напряжение и расслабление, вдох и выдох, спокойствие и скорость. Выбор состояния остается за зрителем.
Анатолий Akue исследует медитативные практики, изучает различные аспекты психологии личности и их связь с творчеством.
Создавая эскиз нового произведения, автор размышлял на тему необратимости изменений и трансформаций. Зачастую мы не замечаем сопровождающие нас ежедневные перемены, а порой и вовсе не можем отдать себе отчет в том, что нами движет и куда оно нас приведет. Эта работа отражает мысли художника о личностной и социальной динамике, о естественном ритме преобразований окружающих пространств — как природных, так и урбанистических — и о глубине восприятия перемен нашим сознанием.
Произведение автора — это застывшая в моменте метаморфоза. Если обойти объект вокруг, можно заметить, как «зацикливается» ритм: он провоцирует нас на то, чтобы продолжать движение. При этом пространство внутри объекта дает возможность замедлиться и углубиться в свои ощущения. Это метафора человеческой жизни: напряжение и расслабление, вдох и выдох, спокойствие и скорость. Выбор состояния остается за зрителем.
«Change»
АНАТОЛИЙ AKUE
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Оля «INEY» Чикина — современная художница из Москвы. В 2000-х, на волне роста популярности хип-хопа в России, Оля начала свой творческий путь с граффити. Теперь она постоянная участница выставок и фестивалей уличного искусства, среди которых Moscow Urban Art Fair, «Артмоссфера», Faces & Laces и многие другие. В 2024 году студийные работы художницы экспонировались в Новой Третьяковке.
Во время учебы в Британской высшей школе дизайна Оля заинтересовалась русским фольклором. Черпая вдохновение в народных сказках, она трансформирует известных персонажей и изобретает новых, воплощает на плоскости яркие оптические иллюзии. Её творческий метод — это смешение традиционных мотивов и современной реальности. Художница пишет картины, создает фанерные панно и муралы. Для её манеры характерна насыщенная и контрастная цветовая палитра, а произведения ироничны по содержанию.
Оля «INEY» Чикина — современная художница из Москвы. В 2000-х, на волне роста популярности хип-хопа в России, Оля начала свой творческий путь с граффити. Теперь она постоянная участница выставок и фестивалей уличного искусства, среди которых Moscow Urban Art Fair, «Артмоссфера», Faces & Laces и многие другие. В 2024 году студийные работы художницы экспонировались в Новой Третьяковке.
Во время учебы в Британской высшей школе дизайна Оля заинтересовалась русским фольклором. Черпая вдохновение в народных сказках, она трансформирует известных персонажей и изобретает новых, воплощает на плоскости яркие оптические иллюзии. Её творческий метод — это смешение традиционных мотивов и современной реальности. Художница пишет картины, создает фанерные панно и муралы. Для её манеры характерна насыщенная и контрастная цветовая палитра, а произведения ироничны по содержанию.
О РАБОТЕ
Поиск идентичности — одна из главных тем в творчестве Оли INEY. Погружаясь в работу, художница будто стремится достроить себя и расширить границы знаний о своей стране через переосмысление её артефактов. Она исследует русскую и российскую культуру и историю, наши ценности и символы, героев и ритуалы. В произведениях Оли возникает симбиоз отечественного визуального кода и репрезентации личного опыта: таким способом она конструирует новые миры и пространства.
На эту работу художницу вдохновило столь созвучное Инновационному центру «Сколково» понятие «технологичности» и то, каким образом оно раскрывается в нашей действительности. Сегодня, благодаря технологиям, жизнь современного человека можно упорядочить. Так и в этой росписи художница разложила собственный хаос, состоящий из мыслей и визуальных образов, на элементы, которые в итоге выстроились в строгую геометрическую схему. При этом Оля INEY намеренно избегала изображений конкретных научно-технологических символов, чтобы передать исследуемое понятие через общее архитектурное впечатление.
Поиск идентичности — одна из главных тем в творчестве Оли INEY. Погружаясь в работу, художница будто стремится достроить себя и расширить границы знаний о своей стране через переосмысление её артефактов. Она исследует русскую и российскую культуру и историю, наши ценности и символы, героев и ритуалы. В произведениях Оли возникает симбиоз отечественного визуального кода и репрезентации личного опыта: таким способом она конструирует новые миры и пространства.
На эту работу художницу вдохновило столь созвучное Инновационному центру «Сколково» понятие «технологичности» и то, каким образом оно раскрывается в нашей действительности. Сегодня, благодаря технологиям, жизнь современного человека можно упорядочить. Так и в этой росписи художница разложила собственный хаос, состоящий из мыслей и визуальных образов, на элементы, которые в итоге выстроились в строгую геометрическую схему. При этом Оля INEY намеренно избегала изображений конкретных научно-технологических символов, чтобы передать исследуемое понятие через общее архитектурное впечатление.
«Без названия»
ОЛЯ «INEY» ЧИКИНА
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
ОБ АВТОРЕ
Евгений Малышев (Jön) — современный художник из Калининграда. На формирование его творческого пути повлияли работы пионеров калининградского граффити, история региона, колорит локальных пейзажей и эстетика местных «заброшек». Художник поднимает и исследует темы ностальгии и переходных состояний, памяти и размышлений о времени, распада старого и возникновения нового. Свои уличные работы он создает как на заброшенных объектах, так и в публичных пространствах.
Jön — участник десятка коллективных выставок и фестивалей современного и уличного искусства в России и за рубежом. Его работы демонстрировались в проектах по всей стране: в Москве, Калининграде, Екатеринбурге, Нижнем Новгороде, Тюмени, Уфе и других городах. В 2023 году в галерее 159 °F Gallerie пространства Cube. Moscow состоялась первая персональная выставка художника — «Редкие виды».
Евгений Малышев (Jön) — современный художник из Калининграда. На формирование его творческого пути повлияли работы пионеров калининградского граффити, история региона, колорит локальных пейзажей и эстетика местных «заброшек». Художник поднимает и исследует темы ностальгии и переходных состояний, памяти и размышлений о времени, распада старого и возникновения нового. Свои уличные работы он создает как на заброшенных объектах, так и в публичных пространствах.
Jön — участник десятка коллективных выставок и фестивалей современного и уличного искусства в России и за рубежом. Его работы демонстрировались в проектах по всей стране: в Москве, Калининграде, Екатеринбурге, Нижнем Новгороде, Тюмени, Уфе и других городах. В 2023 году в галерее 159 °F Gallerie пространства Cube. Moscow состоялась первая персональная выставка художника — «Редкие виды».
О РАБОТЕ
В созданном для фестиваля «Здесь и Сейчас» произведении Евгений Малышев, известный под творческим псевдонимом Jön, развивает уже давно исследуемую им тему коллективной памяти, краха старой аналоговой оптики и прихода на ее место новой — цифровой. В его работе живописное изображение распадается подобно осколкам воспоминаний или помехам на экране компьютера. В основу сюжета автор закладывает конструирование оригинального образа по принципу работы нейросети — производства нового из ранее созданного путем перекомпоновки готовых деталей.
Работы художника отсылают к склонности человеческой памяти фрагментировать и пересобирать воспоминания при неоднократном возвращении к ним. Он также обращается к средствам, способным эту память расширять. Старые черно-белые фотографии из семейных архивов, мемуары, произведения искусства, кадры из фильмов… Что люди помнят на самом деле и насколько настоящей является их память? Когда человек мысленно обращается к чему-то в прошлом, его воспоминания «перезаписываются». Тем не менее, есть вероятность, что с развитием технологий и нейросетей, изобретенных в Инновационном центре «Сколково», у людей смогут появляться новые сгенерированные воспоминания и новая история.
В созданном для фестиваля «Здесь и Сейчас» произведении Евгений Малышев, известный под творческим псевдонимом Jön, развивает уже давно исследуемую им тему коллективной памяти, краха старой аналоговой оптики и прихода на ее место новой — цифровой. В его работе живописное изображение распадается подобно осколкам воспоминаний или помехам на экране компьютера. В основу сюжета автор закладывает конструирование оригинального образа по принципу работы нейросети — производства нового из ранее созданного путем перекомпоновки готовых деталей.
Работы художника отсылают к склонности человеческой памяти фрагментировать и пересобирать воспоминания при неоднократном возвращении к ним. Он также обращается к средствам, способным эту память расширять. Старые черно-белые фотографии из семейных архивов, мемуары, произведения искусства, кадры из фильмов… Что люди помнят на самом деле и насколько настоящей является их память? Когда человек мысленно обращается к чему-то в прошлом, его воспоминания «перезаписываются». Тем не менее, есть вероятность, что с развитием технологий и нейросетей, изобретенных в Инновационном центре «Сколково», у людей смогут появляться новые сгенерированные воспоминания и новая история.
«Воспоминание»
ЕВГЕНИЙ МАЛЫШЕВ (JÖN)
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
Программа
Межотраслевая конференция с малым и средним бизнесом. Дискуссия «Зачем городу уличное искусство» в рамках параллельной образовательной программы фестиваля «Здесь и Сейчас'24»
Сегодня искусство все чаще выходит за пределы культурных институций и занимает городские пространства. Кто творит на улице и в чем заключается его творческий метод? Как ему удается встроиться в окружающую среду и организовать ее?
На встрече представители арт-сообщества обсудили, каким образом паблик-арт повышает ценность пространства в наших глазах и способствует изменению культурного и архитектурного кода города.
Спикеры: Анна Клец, Юлия Сафронова, Варвара Прозорова
Модератор: Анна Малик-Короленкова
Координатор: Анастасия Соловьева
Партнер: Фестиваль STENOGRAFFIA
Сегодня искусство все чаще выходит за пределы культурных институций и занимает городские пространства. Кто творит на улице и в чем заключается его творческий метод? Как ему удается встроиться в окружающую среду и организовать ее?
На встрече представители арт-сообщества обсудили, каким образом паблик-арт повышает ценность пространства в наших глазах и способствует изменению культурного и архитектурного кода города.
Спикеры: Анна Клец, Юлия Сафронова, Варвара Прозорова
Модератор: Анна Малик-Короленкова
Координатор: Анастасия Соловьева
Партнер: Фестиваль STENOGRAFFIA
04.08
Олимпийский комплекс «Лужники», лекторий «Пикник Talks» на Пикнике «Афиши»
Выполнение росписей:
«Творец». Автор: Андрей Оленев
«Воспоминание».
Автор: Евгений Малышев (Jön)
«Без названия».
Автор: Оля «INEY» Чикина
«Change».
Автор: Анатолий Akue
«По ту сторону экрана».
Автор: Иван Найнти
«1+1=3». Автор: Владислав Дакес
«Калейдоскоп».
Автор: Илья Блинов (Slak)
«Творец». Автор: Андрей Оленев
«Воспоминание».
Автор: Евгений Малышев (Jön)
«Без названия».
Автор: Оля «INEY» Чикина
«Change».
Автор: Анатолий Akue
«По ту сторону экрана».
Автор: Иван Найнти
«1+1=3». Автор: Владислав Дакес
«Калейдоскоп».
Автор: Илья Блинов (Slak)
26.08—04.09
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта «Косморомашка» (автор: Красил Макар)
29.08
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта
«Квантовая суперпозиция»
(автор: Анастасия Рыжикова)
«Квантовая суперпозиция»
(автор: Анастасия Рыжикова)
30.08
Инновационный центр «Сколково», внутренний дворик Сколтеха
Установка арт-объекта
«Портрет художника. Сборная модель»
(автор: Александр Кашин)
«Портрет художника. Сборная модель»
(автор: Александр Кашин)
30.08
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта
«Букет полевых цветов»
(автор: Полина Фролова)
«Букет полевых цветов»
(автор: Полина Фролова)
01.09
Инновационный центр «Сколково», северо-восточная часть участка между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея»
Установка арт-объекта
«В поиске равновесия»
(автор: Егор Плотников)
«В поиске равновесия»
(автор: Егор Плотников)
02.09
Инновационный центр «Сколково», территория Исцеляющих садов
Установка арт-объекта
«Алфавитяне»
(автор: Диана Воуба)
«Алфавитяне»
(автор: Диана Воуба)
03.09
Инновационный центр «Сколково», территория детской площадки у ЖК «Мильфей» и Международной гимназии «Сколково»
Установка арт-объекта «Машина в лесу»
(авторы Франциско Инфанте и Нонна Горюнова)
(авторы Франциско Инфанте и Нонна Горюнова)
04.10—08.10
Инновационный центр «Сколково», УЛ.бЛЕЗА пАСКАЛЯ, д.2
Установка арт-объекта «Навигатор»
(автор: Антон Чумак)
(автор: Антон Чумак)
07.10
Инновационный центр «Сколково», ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ПАРК
Установка арт-объекта «На одной волне»
(автор: Марина Звягинцева)
(автор: Марина Звягинцева)
09.10—10.10
Инновационный центр «Сколково», ул. Малевича, д. 2, корп. 5
Экватор проекта
12.10
Инновационный центр «Сколково»
Программа
Межотраслевая конференция с малым и средним бизнесом. Дискуссия «Зачем городу уличное искусство» в рамках параллельной образовательной программы фестиваля «Здесь и Сейчас'24»
Сегодня искусство все чаще выходит за пределы культурных институций и занимает городские пространства. Кто творит на улице и в чем заключается его творческий метод? Как ему удается встроиться в окружающую среду и организовать ее?
На встрече представители арт-сообщества обсудили, каким образом паблик-арт повышает ценность пространства в наших глазах и способствует изменению культурного и архитектурного кода города.
Спикеры: Анна Клец, Юлия Сафронова, Варвара Прозорова
Модератор: Анна Малик-Короленкова
Координатор: Анастасия Соловьева
Партнер: Фестиваль STENOGRAFFIA
Сегодня искусство все чаще выходит за пределы культурных институций и занимает городские пространства. Кто творит на улице и в чем заключается его творческий метод? Как ему удается встроиться в окружающую среду и организовать ее?
На встрече представители арт-сообщества обсудили, каким образом паблик-арт повышает ценность пространства в наших глазах и способствует изменению культурного и архитектурного кода города.
Спикеры: Анна Клец, Юлия Сафронова, Варвара Прозорова
Модератор: Анна Малик-Короленкова
Координатор: Анастасия Соловьева
Партнер: Фестиваль STENOGRAFFIA
04.08
Олимпийский комплекс «Лужники», лекторий «Пикник Talks» на Пикнике «Афиши»
Выполнение росписей:
«Творец». Автор: Андрей Оленев
«Воспоминание».
Автор: Евгений Малышев (Jön)
«Без названия».
Автор: Оля «INEY» Чикина
«Change».
Автор: Анатолий Akue
«По ту сторону экрана».
Автор: Иван Найнти
«1+1=3».
Автор: Владислав Дакес
«Калейдоскоп».
Автор: Илья Блинов (Slak)
«Творец». Автор: Андрей Оленев
«Воспоминание».
Автор: Евгений Малышев (Jön)
«Без названия».
Автор: Оля «INEY» Чикина
«Change».
Автор: Анатолий Akue
«По ту сторону экрана».
Автор: Иван Найнти
«1+1=3».
Автор: Владислав Дакес
«Калейдоскоп».
Автор: Илья Блинов (Slak)
26.08–04.09
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта
«Косморомашка»
(автор: Красил Макар)
«Косморомашка»
(автор: Красил Макар)
29.08
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта
«Квантовая суперпозиция»
(автор: Анастасия Рыжикова)
«Квантовая суперпозиция»
(автор: Анастасия Рыжикова)
30.08
Инновационный центр «Сколково», внутренний дворик Сколтеха
Установка арт-объекта
«Портрет художника. Сборная модель»
(автор: Александр Кашин)
«Портрет художника. Сборная модель»
(автор: Александр Кашин)
30.08
Инновационный центр «Сколково», Центральный парк
Установка арт-объекта
«Букет полевых цветов»
(автор: Полина Фролова)
«Букет полевых цветов»
(автор: Полина Фролова)
01.09
Инновационный центр «Сколково», северо-восточная часть участка между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея»
Установка арт-объекта
«В поиске равновесия»
(автор: Егор Плотников)
«В поиске равновесия»
(автор: Егор Плотников)
02.09
Инновационный центр «Сколково», территория Исцеляющих садов
Установка арт-объекта «Алфавитяне»
(автор: Диана Воуба)
(автор: Диана Воуба)
Инновационный центр «Сколково», территория Исцеляющих садов
03.09
Установка арт-объекта «Машина в лесу»
(авторы Франциско Инфанте и Нонна Горюнова)
(авторы Франциско Инфанте и Нонна Горюнова)
Инновационный центр «Сколково», УЛ.бЛЕЗА пАСКАЛЯ, д.2
04.10—08.10
Установка арт-объекта «Навигатор»
(автор: Антон Чумак)
(автор: Антон Чумак)
Инновационный центр «Сколково», ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ПАРК
07.10
Установка арт-объекта «На одной волне»
(автор: Марина Звягинцева)
(автор: Марина Звягинцева)
Инновационный центр «Сколково», ул. Малевича, д. 2, корп. 5
09.10—10.10
Экватор проекта
Инновационный центр «Сколково»
12.10
Организаторы
© ЗДЕСЬ И СЕЙЧАС 2024
Информационные
партнеры
партнеры
Организаторы
© ЗДЕСЬ И СЕЙЧАС 2024
Информационные
партнеры
партнеры
