Карта объектов
Карта объектов
Объекты и художники
Объекты и художники
КРАСИЛ МАКАР
Ветер раскидал лепестки.
Место нашей встречи.
Место нашей встречи.
Художник, согласно его биографической легенде, родился в 1889 году в крестьянской семье в селе Нижняя Синячиха нынешней Свердловской области. С 1901 по 1939 годы, в свободное от полевых работ время, трудился красильщиком, расписывая избы и бытовую утварь. Возраст художника, переваливший за 135 лет, объясняет его неразрывную связь с народным наследием и ее логичную интеграцию в актуальные практики.
В 2017-м Макар переехал в Екатеринбург и заявил о себе первыми уличными проектами, актуализирующими традиционную уральскую роспись, а к 2022 году его плоскостные решения эволюционировали в скульптурные формы. На счету автора — четыре персональные выставки в Москве и Екатеринбурге, в том числе «Красил Макар. Появление автора» в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, а также десятки стрит-арт-интеграций по всей России. Художник участвовал во II Триеннале российского современного искусства, V Уральской индустриальной биеннале современного искусства, Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» и ярмарках современного искусства в Москве и Милане. В 2020 году Макар стал лауреатом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина в номинации «Искусство в общественном пространстве».
В 2017-м Макар переехал в Екатеринбург и заявил о себе первыми уличными проектами, актуализирующими традиционную уральскую роспись, а к 2022 году его плоскостные решения эволюционировали в скульптурные формы. На счету автора — четыре персональные выставки в Москве и Екатеринбурге, в том числе «Красил Макар. Появление автора» в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, а также десятки стрит-арт-интеграций по всей России. Художник участвовал во II Триеннале российского современного искусства, V Уральской индустриальной биеннале современного искусства, Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» и ярмарках современного искусства в Москве и Милане. В 2020 году Макар стал лауреатом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина в номинации «Искусство в общественном пространстве».
об авторе
о работе
«Косморомашка»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
По традиции, у каждого мастерового-красильщика был свой путик — так называли вполне конкретный маршрут по одним и тем же местам для выполнения заказов. И Москва, по счастливому стечению обстоятельств, стала одной из таких точек на пути уральского мастера. Только занимается Красил Макар уже не домовой росписью: он работает с пространством города, используя масштабные скульптурные формы.
Художник позаимствовал отдельные элементы, или протоформы, из росписи в технике махового уральского письма — рисования в один мазок с одновременным нанесением белил и краски по бокам кисти. Получившаяся азбука из «ягодок», «лепестков», «листочков» и «приписок» стала основой его авторской образной письменности. Свои произведения Макар сопровождает небольшими поэтичными комментариями-подсказками к сокрытым в работах историям.
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас» в Центральном парке Инновационного центра «Сколково» разместился новый объект художника — «Косморомашка». Пространственная композиция, сочетающая в себе вибрации ярких цветов и мягкие сглаженные формы, становится доминантой выбранной локации. В работе угадывается отсылка к гаданию на цветке. Однако процесс был, возможно, прерван, так как часть лепестков осталась нетронутой. Зритель может стать тем самым главным героем, продолжив пересчёт.
Художник позаимствовал отдельные элементы, или протоформы, из росписи в технике махового уральского письма — рисования в один мазок с одновременным нанесением белил и краски по бокам кисти. Получившаяся азбука из «ягодок», «лепестков», «листочков» и «приписок» стала основой его авторской образной письменности. Свои произведения Макар сопровождает небольшими поэтичными комментариями-подсказками к сокрытым в работах историям.
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас» в Центральном парке Инновационного центра «Сколково» разместился новый объект художника — «Косморомашка». Пространственная композиция, сочетающая в себе вибрации ярких цветов и мягкие сглаженные формы, становится доминантой выбранной локации. В работе угадывается отсылка к гаданию на цветке. Однако процесс был, возможно, прерван, так как часть лепестков осталась нетронутой. Зритель может стать тем самым главным героем, продолжив пересчёт.
ПОЛИНА ФРОЛОВА
В основе творческой практики Полины Фроловой — эксперименты со сложными текстильными техниками, которые требуют длительной ручной работы. Главными героями её сюжетов чаще всего являются птицы: через их образы художница говорит о внутренних переживаниях человека. Она также уделяет внимание мифологическим сюжетам и их переосмыслению в современном контексте.
Полина — выпускница Школы дизайна НИУ ВШЭ по специальности «Иллюстрация».
С 2022 года художница участвует в групповых выставках современного искусства
и различных коллаборациях. Она также сотрудничает с онлайн-галереей и креативным агентством Shift, в составе которого дебютировала на Ярмарке молодого современного искусства Blazar осенью 2023 года. Её работы находятся в российских частных коллекциях. Полина Фролова — обладатель диплома VII Национального конкурса дизайна книги «Жар-книга» за создание визуального ряда к иллюстрированному путеводителю «Старая Ладога», участница Международного независимого фестиваля книжной иллюстрации и визуальной литературы «МОРС» и номинант III сезона конкурса HSE Creative Open в номинации «Иллюстрация».
Полина — выпускница Школы дизайна НИУ ВШЭ по специальности «Иллюстрация».
С 2022 года художница участвует в групповых выставках современного искусства
и различных коллаборациях. Она также сотрудничает с онлайн-галереей и креативным агентством Shift, в составе которого дебютировала на Ярмарке молодого современного искусства Blazar осенью 2023 года. Её работы находятся в российских частных коллекциях. Полина Фролова — обладатель диплома VII Национального конкурса дизайна книги «Жар-книга» за создание визуального ряда к иллюстрированному путеводителю «Старая Ладога», участница Международного независимого фестиваля книжной иллюстрации и визуальной литературы «МОРС» и номинант III сезона конкурса HSE Creative Open в номинации «Иллюстрация».
об авторе
о работе
«Букет полевых цветов»
Северо-восточная часть участка между бизнес-центрами «Стратос»
и «Амальтея»
и «Амальтея»
«Букет полевых цветов» Полины Фроловой вырос на территории между бизнес-центрами «Стратос» и «Амальтея». В таком окружении вневременная дихотомия «человек-природа», которую закладывает художница в своё произведение, кажется особенно важной. Автор напоминаето важности заботы о природe и существовании в согласии с ней, даже посреди живущего на высоких скоростях мегаполиса. Эта работа, контрастируя и вступая в диалог с современным пейзажем, предоставляет зрителю уникальную возможность отвлечься от городской суеты, улыбнуться и вспомнить беззаботное детство.
Элементы букета — цветы и червяк, проползающий между ними, — намеренно созданы таким условными и наивными, точно нарисованными. Причудливые образы художницы, встроенные в окружающую городскую среду, служат прекрасным поводом остановиться, сделать глубокий выдох
и заново начать фантазировать.
Элементы букета — цветы и червяк, проползающий между ними, — намеренно созданы таким условными и наивными, точно нарисованными. Причудливые образы художницы, встроенные в окружающую городскую среду, служат прекрасным поводом остановиться, сделать глубокий выдох
и заново начать фантазировать.
Инновационный центр «Сколково» с самого начала создает свой уникальный облик во взаимодействии с искусством: нет лучшей питательной среды для творческой мысли. Здесь уже собралась небольшая коллекция арт-объектов, и работа Александра Кашина очень удачно в нее встраивается. «Портрет художника. Сборная модель» — это приглашение к сотворчеству, к созданию собственного шедевра из наследия искусства XX века. Арт-объект состоит из нескольких панелей-фрагментов, спроектированных по мотивам существующих произведений Джеффа Кунса, Александра Колдера и Ричарда Серры в жанре паблик-арта. Рассматривая детали, зритель может конструировать из них в своем воображении собственные композиции, вовлекаясь в художественный процесс и становясь соавтором. Таким способом художник предлагает включиться в увлекательную игру и попробовать понять творчество изнутри.
Выпускник Института современного искусства Иосифа Бакштейна Александр Кашин описывает свой творческий метод лаконично: «Экспериментальный». И поясняет: заложенные в этом понятии недосказанность и невозможность уверенного отнесения к тому или иному жанру и направлению дают максимально широкое поле для трактовок как зрителю, так и самому художнику. Александр участвовал в выставках московских галерей, среди которых «2072: ПРОГНОZ» в Культурном центре ЗИЛ и «(бес)(на)(у)силие» в Omelchenko Gallery, а также в масштабном проекте «ВЫПУСК ‘22» парка «Зарядье». При встрече зрителя с его работами — в момент взаимодействия с арт-объектом и первой искренней реакции, от удивления до отторжения, — и происходит акт искусства, то есть создание чего-то нового.
об авторе
о работе
АЛЕКСАНДР КАШИН
«Портрет художника. Сборная модель»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В данном проекте Анастасия Рыжикова рассматривает тонкое ощущение будущего человека, находящегося в бесчисленном множестве состояний при перемещении во времени. Художница фиксирует одновременную многогранность выбора. Каждый день, как только мы просыпаемся, запускается работа нашего сознания и открывается необъятное многообразие вариантов развития истории. Принимаемые решения в дальнейшем конструируют наш автопортрет и вместе с тем каждый раз провоцируют появление новых цепочек неповторимых событий.
В основе работы лежит серьезный авторский анализ не только законов квантового мира, но и теории метафоричных временных закономерностей, выдвинутой важнейшим представителем русского авангарда Велимиром Хлебниковым. Поэт-предсказатель, известный как исследователь «материков времени», в своих трудах воспевает «страну… где время цветет как черемуха — и двигает как поршень, где зачеловек в переднике плотника пилит времена на доски и как токарь обращается со своим завтра». Он стремится нащупать параллельное или, возможно, перпендикулярное измерение, где человек способен оказаться на такой вершине, которая позволила бы ему одновременно наблюдать прошлое, настоящее и будущее, — и в этом ему видится природа и смысл творчества.
Эти идеи удивительным образом преломляются в 365 зеркалах в объекте художницы, наполняя уютный дворик кампуса Сколтеха новыми научными смыслами.
В основе работы лежит серьезный авторский анализ не только законов квантового мира, но и теории метафоричных временных закономерностей, выдвинутой важнейшим представителем русского авангарда Велимиром Хлебниковым. Поэт-предсказатель, известный как исследователь «материков времени», в своих трудах воспевает «страну… где время цветет как черемуха — и двигает как поршень, где зачеловек в переднике плотника пилит времена на доски и как токарь обращается со своим завтра». Он стремится нащупать параллельное или, возможно, перпендикулярное измерение, где человек способен оказаться на такой вершине, которая позволила бы ему одновременно наблюдать прошлое, настоящее и будущее, — и в этом ему видится природа и смысл творчества.
Эти идеи удивительным образом преломляются в 365 зеркалах в объекте художницы, наполняя уютный дворик кампуса Сколтеха новыми научными смыслами.
Анастасия Рыжикова окончила МГАХИ им. В. И. Сурикова и Московскую школу современного искусства в составе Universal University, что в значительной степени повлияло на её творчество. Художественная практика автора находится на стыке академического образования и экспериментов с современными медиа. В своих произведениях художница превращает неуловимые моменты жизни в объекты, подобно тому как фотография запечатлевает краткий миг, в котором навсегда застывает время и пространство. Точкой отсчета в любой работе является её внутреннее состояние и бескрайние возможности личного ощущения и воображения.
Анастасия Рыжикова — член Московского союза художников и Творческого союза художников РФ, участница ряда выставочных проектов в России и Италии. Её персональная выставка «Время первых» с успехом прошла в Совете Федерации в Москве и Молодежном центре «Космос» в Королёве.
Анастасия Рыжикова — член Московского союза художников и Творческого союза художников РФ, участница ряда выставочных проектов в России и Италии. Её персональная выставка «Время первых» с успехом прошла в Совете Федерации в Москве и Молодежном центре «Космос» в Королёве.
об авторе
о работе
АНАСТАСИЯ РЫЖИКОВА
«Квантовая суперпозиция»
Внутренний дворик Сколтеха
Исцеляющие сады в «Сколково» — современный парк, появившийся на территории Международного медицинского кластера. Главной целью при его проектировании было создание оздоровительных пространств, различающихся по наполнению и визуальным решениям, но связанных друг с другом в единую сеть. В соответствии с замыслом его авторов, это место помогает каждому, кто в нем оказался, замедлиться и осознанно вернуться к спокойному медитативному созерцанию и творчеству.
Такая идея оказалась очень созвучна с искусством Егора Плотникова, чье многолетнее исследование связано с актуализацией категории «пейзажа» через противопоставление и соотнесенность его аспектов: с одной стороны, как фактической местности в контексте социального ландшафта, а с другой — как жанра в искусствоведческой парадигме. Сады предстают точно ожившими живописными полотнами автора, а главные герои — скульптуры зрителей — из наблюдателей превращаются в проводников по этому гармоничному рукотворному пространству.
Здесь разместились несколько персонажей, сопровождающих гостей на протяжении прогулки: одна фигура встречает нас у самого входа, вторая — присела на камень у ручья, третья — держит в руках круглое зеркало, втягивающее и преломляющее окружающее пространство, четвертая — затерялась в камышах и траве, пятая — балансирует на шаре возле склона. И только поднявшись наверх и окинув взглядом сад, мы можем вновь увидеть его обитателей — уже всех вместе.
Такая идея оказалась очень созвучна с искусством Егора Плотникова, чье многолетнее исследование связано с актуализацией категории «пейзажа» через противопоставление и соотнесенность его аспектов: с одной стороны, как фактической местности в контексте социального ландшафта, а с другой — как жанра в искусствоведческой парадигме. Сады предстают точно ожившими живописными полотнами автора, а главные герои — скульптуры зрителей — из наблюдателей превращаются в проводников по этому гармоничному рукотворному пространству.
Здесь разместились несколько персонажей, сопровождающих гостей на протяжении прогулки: одна фигура встречает нас у самого входа, вторая — присела на камень у ручья, третья — держит в руках круглое зеркало, втягивающее и преломляющее окружающее пространство, четвертая — затерялась в камышах и траве, пятая — балансирует на шаре возле склона. И только поднявшись наверх и окинув взглядом сад, мы можем вновь увидеть его обитателей — уже всех вместе.
Егор Плотников — современный художник родом из Кирова, представляющий фигуративное направление в искусстве и часто объединяющий в своих работах живопись и скульптуру. Изображая на холстах пустыри, обочины и буферные зоны, отделяющие освоенное человеком пространство от дикой природы, Егор перемещает персонажа картины за пределы живописной плоскости, отождествляя его со зрителем. Произведение искусства начинает смотреть само на себя. Этот художественный метод стал результатом творческих поисков — в попытке переосмыслить традиционный жанр пейзажа и подходы к нему автор задается вопросом: каким может быть портрет современности, выраженный через пространство?
Егор — участник многочисленных персональных и групповых выставок, прошедших в различных городах по всей стране и за рубежом. Произведения художника находятся в частных собраниях в России и других странах, а также в коллекциях Российской академии художеств, Российского фонда культуры, Московского союза художников, Московского музея современного искусства, фонда Aksenov Family Foundation Дмитрия Аксенова и нескольких региональных музеев.
Егор — участник многочисленных персональных и групповых выставок, прошедших в различных городах по всей стране и за рубежом. Произведения художника находятся в частных собраниях в России и других странах, а также в коллекциях Российской академии художеств, Российского фонда культуры, Московского союза художников, Московского музея современного искусства, фонда Aksenov Family Foundation Дмитрия Аксенова и нескольких региональных музеев.
об авторе
о работе
ЕГОР ПЛОТНИКОВ
«Поиск равновесия»
Территория Исцеляющих садов в Инновационном центре «Сколково»
Через замыслы, которые раскрываются лишь под определенным углом, художники ведут пытливых зрителей в свои потайные миры. Для своих «Алфавитян» художница Диана Воуба придумала целый мир — далекую планету Ан, а ее обитателей наделила способностью трансформироваться в каждом из измерений и создавать многомерные геометрические объекты. Антропоморфные и зооморфные существа красного, белого и черного цветов, установленные возле Международной гимназии Инновационного центра «Сколково», — результат переосмысления идей русского авангарда. Знаки-символы представляют собой алфавит, из которого можно составлять бесчисленное количество комбинаций. Фигуры Алфавитян меняются в зависимости от ракурса. Зрителей приглашают включиться в это захватывающее действо: одновременно и игру с архитектурными формами, и зримое продолжение диалога-сопоставления с авторами других футуристических объектов на территории Инновационного центра «Сколково».
Диана Воуба говорит о себе как об искателе новой красоты, призванном видеть невидимое и делать его зримым для других. Она окончила Тбилисскую государственную академию художеств и Творческие мастерские Академии художеств СССР, ее первая выставка состоялась в Центральном доме художника в Москве в 1992 году. В 1996-м Диана получила золотую медаль Международного фестиваля изобразительных искусств в тунисском Махресе (вилайет Сфакс) за серию портретов местной знати, еще через четыре года ее работы показали на выставке Women in Art («Женщины в искусстве») в Вашингтоне, а в 2021 году она стала лауреатом Премии Анатолия Зверева.
В 2015 году Диана Воуба, вдохновленная жизнестроительными идеями русского авангарда, создала художественный конструктор «Город-Алфавит»: 64 геометрических знака, построенных по методу золотого сечения. Произведения художницы находятся в собраниях Русского музея и Российской академии художеств, Московского музея современного искусства, Всероссийского музея декоративного искусства и Музея Анатолия Зверева. Узнаваемый стиль Дианы сочетает в себе насыщенную цветовую палитру и строгую, почти аскетичную композицию. Художница с детства тяготела к музыке, и эта ее любовь получила воплощение в живописи: в геометрических абстракциях с пульсирующими, почти живыми формами и в серии «Измерение тишины», для которой композитор Ираида Юсупова написала музыку.
В 2015 году Диана Воуба, вдохновленная жизнестроительными идеями русского авангарда, создала художественный конструктор «Город-Алфавит»: 64 геометрических знака, построенных по методу золотого сечения. Произведения художницы находятся в собраниях Русского музея и Российской академии художеств, Московского музея современного искусства, Всероссийского музея декоративного искусства и Музея Анатолия Зверева. Узнаваемый стиль Дианы сочетает в себе насыщенную цветовую палитру и строгую, почти аскетичную композицию. Художница с детства тяготела к музыке, и эта ее любовь получила воплощение в живописи: в геометрических абстракциях с пульсирующими, почти живыми формами и в серии «Измерение тишины», для которой композитор Ираида Юсупова написала музыку.
об авторе
о работе
ДИАНА ВОУБА
«Алфавитяне» из проекта
«Город-Алфавит»
«Город-Алфавит»
Территория детской площадки у ЖК «Мильфей» и Международной гимназии «Сколково»
Рассматривая данный объект, зритель в некотором смысле сам становится исследователем. В этой композиции, помимо эстетической составляющей, реализована функция прибора: подвижный механизм, работающий по принципу флюгера, позволяет производить наблюдения за окружающей действительностью в текущий момент, а именно определять направление ветра. Конечно, это скорее элемент игры, символ. Ведь сегодня любой человек может зайти в смартфон и узнать всё о погоде: температуру почвы и воздуха, влажность и прогноз по осадкам, направление и максимальную скорость ветра — для этого совсем не обязательно поднимать голову и смотреть на флюгер.
В своей работе Антон Чумак отдает дань человеческому труду на сложном пути технологического прогресса. Художник размышляет над тем, что современные технологии не стали бы возможными без многовекового процесса пристального изучения — от первых примитивных наблюдений за силами природы до последних научно-технических свершений.
В этом произведении автор соединяет природную пластику растительных структур с техногенной эстетикой шлифованной нержавеющей стали. В форме объекта можно прочесть отсылки как к Александрийскому маяку и средневековым индийским храмам, так и к современному нам зданию делового центра Matrex («Матрёшка»), которое расположено неподалеку.
В своей работе Антон Чумак отдает дань человеческому труду на сложном пути технологического прогресса. Художник размышляет над тем, что современные технологии не стали бы возможными без многовекового процесса пристального изучения — от первых примитивных наблюдений за силами природы до последних научно-технических свершений.
В этом произведении автор соединяет природную пластику растительных структур с техногенной эстетикой шлифованной нержавеющей стали. В форме объекта можно прочесть отсылки как к Александрийскому маяку и средневековым индийским храмам, так и к современному нам зданию делового центра Matrex («Матрёшка»), которое расположено неподалеку.
Антон Чумак — художник, работающий в различных медиа. Окончив Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица, он продолжает творческий путь, экспериментируя с графикой, монументальной росписью, созданием инсталляций и объектов из стали. Художник активно сотрудничает с московской галереей Krokin Gallery, на базе которой в последние годы провел несколько персональных выставок.
Антон Чумак был номинирован на Премию Кандинского и Премию имени Сергея Курёхина в области современного искусства. Он регулярно участвует в различных музейных и институциональных выставках, биеннале и ярмарках современного искусства как в России, так и за её пределами. В начале 2023 года он разработал и выполнил монументальные росписи в интерьерах открывшегося после реконструкции Южного речного вокзала в Москве. За этот проект художник получил «Московскую Арт Премию» в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Антона Чумака находятся в коллекции Государственного музея истории космонавтики имени К. Э. Циолковского, а также в многочисленных частных коллекциях в России, Франции, Испании и Республике Корее.
Антон Чумак был номинирован на Премию Кандинского и Премию имени Сергея Курёхина в области современного искусства. Он регулярно участвует в различных музейных и институциональных выставках, биеннале и ярмарках современного искусства как в России, так и за её пределами. В начале 2023 года он разработал и выполнил монументальные росписи в интерьерах открывшегося после реконструкции Южного речного вокзала в Москве. За этот проект художник получил «Московскую Арт Премию» в номинации «Изобразительное искусство и архитектура».
Работы Антона Чумака находятся в коллекции Государственного музея истории космонавтики имени К. Э. Циолковского, а также в многочисленных частных коллекциях в России, Франции, Испании и Республике Корее.
об авторе
о работе
АНТОН ЧУМАК
«Навигатор»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В своем новом произведении паблик-арт-художник Марина Звягинцева обращается к идее, согласно которой человек, если описывать его как физическое явление и, более того, явление квантового мира, представляет собой скорее волну, нежели частицу: он находится в состоянии непрерывной трансформации. Инновационный центр «Сколково» как творческая агломерация наполнен людьми, которые меняются сами и стремятся менять к лучшему окружающую действительность. Эта динамика устроена подобно эквалайзеру: каждый пытается поймать свою волну и сонастроиться с другими.
Объект «На одной волне» развивает серию работ художницы о совмещении противоположностей через авторскую технику «биотипия» (живопись на движущейся воде). Дополнительные цвета потоками сливаются в неделимое и символизируют красоту единения разных взглядов. Синергия происходит на чувственном уровне, минуя логические умозаключения.
Зритель, взаимодействуя с произведением, обращается к своему внутреннему миру. Тем временем звуковая волна-скамья, наоборот, сближает его с другими людьми и подталкивает к тому, чтобы делиться мыслями, идеями, музыкой. Инсталляция-перевертыш дает возможность как отдохнуть и расслабиться, так и вовлечься в игру. Любой, кто сядет на скамейку, окажется лицом к лицу с другим человеком — так автор работы помогает развитию диалога между резидентами Инновационного центра «Сколково».
Объект «На одной волне» развивает серию работ художницы о совмещении противоположностей через авторскую технику «биотипия» (живопись на движущейся воде). Дополнительные цвета потоками сливаются в неделимое и символизируют красоту единения разных взглядов. Синергия происходит на чувственном уровне, минуя логические умозаключения.
Зритель, взаимодействуя с произведением, обращается к своему внутреннему миру. Тем временем звуковая волна-скамья, наоборот, сближает его с другими людьми и подталкивает к тому, чтобы делиться мыслями, идеями, музыкой. Инсталляция-перевертыш дает возможность как отдохнуть и расслабиться, так и вовлечься в игру. Любой, кто сядет на скамейку, окажется лицом к лицу с другим человеком — так автор работы помогает развитию диалога между резидентами Инновационного центра «Сколково».
Марина Звягинцева — один из основоположников паблик-арта в России, член Творческого союза художников России и Московского союза художников, создатель арт-программы «Спальный район». Визитная карточка Марины — авторская перформативная техника «биотипия», которая представляет собой живопись на движущейся воде.
С 2009 года художница творит под открытым небом, воплощая свои замыслы в форме масштабных инсталляций и арт-акций. За 15 лет работы с общественными пространствами она создала более 50 инсталляций в Москве, Санкт-Петербурге, Туле, Твери и Норильске. В 2019 году Марина начала цикл работ, посвященный «запертым чувствам» и социальным аспектам человеческих взаимоотношений.
Произведения Марины Звягинцевой получили высокую оценку со стороны российского и международного арт-сообщества. Она является номинантом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина, VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» и премии АРХИWOOD, а также лауреатом премии ADD AWARDS и обладателем дипломов Special Mention премии «Золотой Трезини».
С 2009 года художница творит под открытым небом, воплощая свои замыслы в форме масштабных инсталляций и арт-акций. За 15 лет работы с общественными пространствами она создала более 50 инсталляций в Москве, Санкт-Петербурге, Туле, Твери и Норильске. В 2019 году Марина начала цикл работ, посвященный «запертым чувствам» и социальным аспектам человеческих взаимоотношений.
Произведения Марины Звягинцевой получили высокую оценку со стороны российского и международного арт-сообщества. Она является номинантом Премии в области современного искусства имени Сергея Курёхина, VII Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» и премии АРХИWOOD, а также лауреатом премии ADD AWARDS и обладателем дипломов Special Mention премии «Золотой Трезини».
об авторе
о работе
МАРИНА ЗВЯГИНЦЕВА
«На одной волне»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
Инсталляция «Машина в лесу» была задумана Франциско Инфанте и Нонной Горюновой еще в 1988 году и впервые реализована в октябре 1991 года в московской галерее «Риджина». Проект оказался совершенно неожиданным для публики, ведь традиционное для этого творческого дуэта контрастное высказывание, основанное на идее «артефакта» как художественного соединения искусственного объекта с природной средой, в замкнутом пространстве теряло привычную серьезность. Однако все принципы «артефактов» были соблюдены: построенная на эффектах отражения и движения работа представляла собой искусственную абстрактную геометрическую систему, в равной степени состоящую из выбранных материалов и преломлений окружающего света и цвета.
В версии 2024 года, созданной специально для фестиваля «Здесь и Сейчас», инсталляция интегрирована в пейзаж Инновационного центра «Сколково» и раскрывается в совершенно новом ключе. «Машина"-артефакт, выполненная в форме созвездия Большой Медведицы, уже не безучастна и не существует отдельно от природной среды. Напротив, отношения рукотворного объекта и окружающего пространства невероятно динамичны, и мы можем фиксировать происходящие в них изменения с течением суток и времен года. Исключительным свойством работы является то, что, в отличие от большинства произведений этого авторского тандема, она предлагает зрителю роль не просто наблюдателя, а непосредственного актора, способного влиять на скорость и силу взаимодействия объекта со средой.
В версии 2024 года, созданной специально для фестиваля «Здесь и Сейчас», инсталляция интегрирована в пейзаж Инновационного центра «Сколково» и раскрывается в совершенно новом ключе. «Машина"-артефакт, выполненная в форме созвездия Большой Медведицы, уже не безучастна и не существует отдельно от природной среды. Напротив, отношения рукотворного объекта и окружающего пространства невероятно динамичны, и мы можем фиксировать происходящие в них изменения с течением суток и времен года. Исключительным свойством работы является то, что, в отличие от большинства произведений этого авторского тандема, она предлагает зрителю роль не просто наблюдателя, а непосредственного актора, способного влиять на скорость и силу взаимодействия объекта со средой.
Франциско Инфанте-Арана и Нонна Горюнова — пионеры кинетического искусства в России и одни из наиболее известных и влиятельных отечественных художников-кинетов в мировом контексте.
Франциско родился в 1943 году в селе Васильевка Саратовской области, Нонна — в 1944 году в Москве. Оба окончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Во время учебы, с 1962 по 1964 год, Инфанте-Арана входил в состав Содружества художников геометрического и метафизического направления. В 1968 году он начал работать совместно с Горюновой, и в 1970-м художники организовали группу «Арго» с целью разработки искусственных систем, аналогичных естественным явлениям. Возникновение этого объединения стало заметным авангардным событием того времени. Пять лет спустя Инфанте-Арана и Горюнова впервые инициировали вторжение искусства в природный ландшафт: они поместили в естественную среду созданные ими геометрические объекты, тем самым столкнув нерукотворное и искусственное начала. В разные годы природным контекстом выступали поле, лес, пляж, небосклон. «Артефакты» же представляли собой произведения, созданные из пленки, цветной бумаги, лесок и зеркал. Момент их встречи — то есть оптимального взаимодействия — фиксировался на фотокамеру, и отпечатки впоследствии воспроизводились небольшим тиражом. Этот тотальный художественный эксперимент красной нитью пронизал всё творчество соавторов: они и по сей день продолжают совершенствовать идею «артефактов».
В творческой биографии Франциско Инфанте и Нонны Горюновой — участие более чем в трехстах выставках в России и за рубежом. Их произведения украшают собой коллекции ведущих международных музеев и множество частных собраний. Художники живут и работают в Москве.
Франциско родился в 1943 году в селе Васильевка Саратовской области, Нонна — в 1944 году в Москве. Оба окончили Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). Во время учебы, с 1962 по 1964 год, Инфанте-Арана входил в состав Содружества художников геометрического и метафизического направления. В 1968 году он начал работать совместно с Горюновой, и в 1970-м художники организовали группу «Арго» с целью разработки искусственных систем, аналогичных естественным явлениям. Возникновение этого объединения стало заметным авангардным событием того времени. Пять лет спустя Инфанте-Арана и Горюнова впервые инициировали вторжение искусства в природный ландшафт: они поместили в естественную среду созданные ими геометрические объекты, тем самым столкнув нерукотворное и искусственное начала. В разные годы природным контекстом выступали поле, лес, пляж, небосклон. «Артефакты» же представляли собой произведения, созданные из пленки, цветной бумаги, лесок и зеркал. Момент их встречи — то есть оптимального взаимодействия — фиксировался на фотокамеру, и отпечатки впоследствии воспроизводились небольшим тиражом. Этот тотальный художественный эксперимент красной нитью пронизал всё творчество соавторов: они и по сей день продолжают совершенствовать идею «артефактов».
В творческой биографии Франциско Инфанте и Нонны Горюновой — участие более чем в трехстах выставках в России и за рубежом. Их произведения украшают собой коллекции ведущих международных музеев и множество частных собраний. Художники живут и работают в Москве.
об авторе
о работе
ФРАНЦИСКО ИНФАНТЕ-АРАНА И НОННА ГОРЮНОВА
«Машина в лесу 1991/2024»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В начале было слово
Ин. 1:1
В своей работе художник обращается к теории Большого взрыва, а именно к космологической сингулярности — предполагаемому начальному состоянию Вселенной. Льва вдохновляет мысль о том, что исходная точка, олицетворявшая единичность существа, взорвавшись, превратилась в постоянно растущее множество, начала «строить» миры. Выбранная Ефимовым форма сферы естественным образом воспринимается и как атом, и как будущие планеты. Зеркальность и рефлектность произведения дополняет авторскую идею: в то время как объект своей динамикой стремится к расширению, его отражающая поверхность буквально втягивает в себя окружающее пространство.
Подобный аллегорический подход свойственен художнику: собирая разбросанные фрагменты впечатлений от формы, цвета, материалов, автор не стремится воссоздать красоту в ее материальном воплощении, но скорее передает эмоцию и дух, наполняющие тот или иной объект. Он словно наделяет абстрактный материал живой энергией. Баланс привычного и необычайного, традиционного и нового, естественного и искусственного, который мы находим в работах Ефимова, погружает нас в некий альтернативный мир, в котором случайные сочетания, концепции и решения являются инструментами для поиска свободы в постижении мира.
Ин. 1:1
В своей работе художник обращается к теории Большого взрыва, а именно к космологической сингулярности — предполагаемому начальному состоянию Вселенной. Льва вдохновляет мысль о том, что исходная точка, олицетворявшая единичность существа, взорвавшись, превратилась в постоянно растущее множество, начала «строить» миры. Выбранная Ефимовым форма сферы естественным образом воспринимается и как атом, и как будущие планеты. Зеркальность и рефлектность произведения дополняет авторскую идею: в то время как объект своей динамикой стремится к расширению, его отражающая поверхность буквально втягивает в себя окружающее пространство.
Подобный аллегорический подход свойственен художнику: собирая разбросанные фрагменты впечатлений от формы, цвета, материалов, автор не стремится воссоздать красоту в ее материальном воплощении, но скорее передает эмоцию и дух, наполняющие тот или иной объект. Он словно наделяет абстрактный материал живой энергией. Баланс привычного и необычайного, традиционного и нового, естественного и искусственного, который мы находим в работах Ефимова, погружает нас в некий альтернативный мир, в котором случайные сочетания, концепции и решения являются инструментами для поиска свободы в постижении мира.
В своей практике междисциплинарный художник Лев Ефимов экспериментирует с такими медиа, как живопись, скульптура и инсталляция. Дебютировав как художник в псковском стрит-арте, он проделал путь до международного fashion-фотографа, сотрудничающего с Grazia, Vogue, Tatler и другими изданиями. Работа с фотографией и увлечение классической архитектурой сформировали творческий интерес автора к объемным пластичным формам и их взаимодействию с пространством. Ефимов отводит важную роль элементу случайности в художественном процессе. «Рождаемое часто удивляет меня самого, и работа над новым объектом для меня практически всегда является импровизацией, в которой участвую не только я, но и сам материал», — рассказывает художник.
В настоящий момент Лев сотрудничает с галереей Surface Lab Art, а также является владельцем скульптурной мастерской, которую он открыл в Москве в 2021 году. Работы художника в жанре паблик-арта в разное время украшали территории Музея-заповедника «Архангельское» и Парка Горького. Постоянные объекты авторства Ефимова представлены в Парке искусств «Музеон» и на территории ЖК Headliner в Москве.
В настоящий момент Лев сотрудничает с галереей Surface Lab Art, а также является владельцем скульптурной мастерской, которую он открыл в Москве в 2021 году. Работы художника в жанре паблик-арта в разное время украшали территории Музея-заповедника «Архангельское» и Парка Горького. Постоянные объекты авторства Ефимова представлены в Парке искусств «Музеон» и на территории ЖК Headliner в Москве.
об авторе
о работе
Лев Ефимов
«Слово» («Атом»)
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
Российская художница Настя Миро совместно с Научно-образовательным проектом Space-π при поддержке Фонда содействия инновациям создала социально-культурный проект «Октонавтика». Он включает в себя запуск на орбиту маленькой версии скульптуры Осьминога Octo-Pax, универсального детектора космической радиации (ДеКоР) и приемника АИС для мониторинга движения судов на борту спутника форм-фактора CubeSat 3U, созданного на базе компании «СПУТНИКС», а также установку паблик-арт-версии объекта в коллаборации с фестивалем «Здесь и Сейчас’24» на территории Инновационного центра «Сколково».
В основе проекта лежит стремление определить вектор развития отечественной культуры в сторону высокой морали и консолидации общества вокруг высших идеалов и целей. Мы видим прекрасную иллюстрацию взаимодействия искусства, науки и высоких технологий. Настя Миро ставила перед собой задачу обратить наше внимание на проблему засорения околоземного пространства. В природе осьминоги стоят на страже экологии и чистоты морского дна. По аналогии, Осьминог Octo-Pax выступает символом необходимости борьбы с космическим мусором. «Эта скульптура не просто арт-объект. Я вложила в неё свою личную симпатию к настоящему живому герою: в течение года несколько раз в месяц я приходила в «Крокус Сити Океанариум», где обитает осьминог Дафна. В какой-то момент я поняла, что она меня узнаёт и встречает: стучу по стеклу, а она обязательно подплывает. Наверное, это были самые душевные и тёплые моменты за всё время работы. Этот маленький живой осьминожек, ставший героем проекта, вдохнул жизнь в мои картины и скульптуру», — комментирует художница. На протяжении четырех лет нахождения спутника на орбите радиолюбители со всего мира смогут принимать и расшифровывать его сигналы, а расположенная внутри космического аппарата видеокамера позволит наблюдать за Осьминогом Octo-Pax в режиме реального времени через сервисы трансляции видеоконтента.
В основе проекта лежит стремление определить вектор развития отечественной культуры в сторону высокой морали и консолидации общества вокруг высших идеалов и целей. Мы видим прекрасную иллюстрацию взаимодействия искусства, науки и высоких технологий. Настя Миро ставила перед собой задачу обратить наше внимание на проблему засорения околоземного пространства. В природе осьминоги стоят на страже экологии и чистоты морского дна. По аналогии, Осьминог Octo-Pax выступает символом необходимости борьбы с космическим мусором. «Эта скульптура не просто арт-объект. Я вложила в неё свою личную симпатию к настоящему живому герою: в течение года несколько раз в месяц я приходила в «Крокус Сити Океанариум», где обитает осьминог Дафна. В какой-то момент я поняла, что она меня узнаёт и встречает: стучу по стеклу, а она обязательно подплывает. Наверное, это были самые душевные и тёплые моменты за всё время работы. Этот маленький живой осьминожек, ставший героем проекта, вдохнул жизнь в мои картины и скульптуру», — комментирует художница. На протяжении четырех лет нахождения спутника на орбите радиолюбители со всего мира смогут принимать и расшифровывать его сигналы, а расположенная внутри космического аппарата видеокамера позволит наблюдать за Осьминогом Octo-Pax в режиме реального времени через сервисы трансляции видеоконтента.
Настя Миро — российская художница, работающая в различных медиа, включая видео, скульптуру и инсталляцию. Однако избранным направлением для нее является реализм, и в нем она отдает приоритет технике. Художница возрождает значимость темперных красочных материалов и при этом создает современные живописные произведения. Работая в классических жанрах портрета и пейзажа, но не ограничиваясь ими, Настя исследует каноны живописи и переосмысляет их в своем узнаваемом стиле, который отличается высокой детализацией и скр упулезным изучением жизненного материала. В последние несколько лет художница обращается к теме космоса и посвящает ей свои выставочные проекты.
Настя Миро окончила Школу акварели Сергея Андрияки, Школу-студию эстрады, кино и телевидения и Всероссийский государственный университет кинематографии им. С. А. Герасимова (ВГИК). За 12 лет активной выставочной деятельности она приняла участие более чем в тридцати персональных и групповых проектах, а также в нескольких крупнейших ярмарках современного искусства в России и за рубежом. В их числе — «Новый день» (2023) и «Другая счастливая жизнь» (2023) в галерее «Купол» (Москва), «Возвращение домой» в галерее «Тираж» (2023, Москва), «205 минут триумфа» в Государственном историческом музее Южного Урала (2023, Челябинск) и в галерее Ural Vision Gallery (2023, Екатеринбург), «Столкновение с бездной» в пространстве арт-платформы Cube.Moscow (2022, Москва), «Траектория энергии» в галерее JART (2022, Москва), Back in Space в галерее Pro Art’s (2021, Калуга), Duo Cognito в галерее SENSE (2020, Москва), «ШУМ» в рамках параллельной программы VI Московской международной биеннале молодого искусства (2018, Москва) и другие. Проекты Насти Миро выходят за рамки исключительно художественных выставок, представляя собой, помимо прочего, культурно-технико-исторические исследования.
Настя Миро окончила Школу акварели Сергея Андрияки, Школу-студию эстрады, кино и телевидения и Всероссийский государственный университет кинематографии им. С. А. Герасимова (ВГИК). За 12 лет активной выставочной деятельности она приняла участие более чем в тридцати персональных и групповых проектах, а также в нескольких крупнейших ярмарках современного искусства в России и за рубежом. В их числе — «Новый день» (2023) и «Другая счастливая жизнь» (2023) в галерее «Купол» (Москва), «Возвращение домой» в галерее «Тираж» (2023, Москва), «205 минут триумфа» в Государственном историческом музее Южного Урала (2023, Челябинск) и в галерее Ural Vision Gallery (2023, Екатеринбург), «Столкновение с бездной» в пространстве арт-платформы Cube.Moscow (2022, Москва), «Траектория энергии» в галерее JART (2022, Москва), Back in Space в галерее Pro Art’s (2021, Калуга), Duo Cognito в галерее SENSE (2020, Москва), «ШУМ» в рамках параллельной программы VI Московской международной биеннале молодого искусства (2018, Москва) и другие. Проекты Насти Миро выходят за рамки исключительно художественных выставок, представляя собой, помимо прочего, культурно-технико-исторические исследования.
об авторе
о работе
нАСТЯ МИРО
«Октонавтика»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково»
В рамках фестиваля «Здесь и Сейчас’24» на территории Сколковского института науки и технологий вблизи инновационной частной школы «Сколка» воссоздан один из персонажей художника Тараса Желтышева (Taras Yoom) из арт-вселенной Yoomoota — альтернативного измерения с несколькими десятками планет и их аутентичными обитателями с такими говорящими именами, как Pillman, Candy Lady, Lymphochair и другие. Существа из этой вселенной представляют фантастический внутренний мир человечества, олицетворяя собой всевозможные явления нашей жизни. Авторская технология производства позволяет воплощать в произведениях искусства причудливые образы персонажей, у каждого из которых есть легенда и смысловая основа. Woooo — удивительные создания, потерявшиеся на планете Пустоты. В своем прошлом они были чем-то совсем иным, но, попав в густой туман планеты, изменили форму и превратились в лампы. Их свет навевает ощущение таинственности, а издаваемый ими звук, похожий на призыв куда-то отправиться, и стал их именем: «Woooo». Это не просто зов в неизвестность, а способ коммуникации с миром: они используют свой звук, чтобы выбраться из гущи тумана. Некоторые из этих существ нашли выход и теперь светят, помогая местным жителям в навигации по городу.
Люди могут смотреть на лампы Woooo и видеть лишь источник света. Однако для тех, кто понимает их природу, эти лампы — уникальные существа с особым предназначением и стремлением помочь другим. Их свет облегчает ориентирование в сумерках и в труднодоступных местах, где нельзя полагаться лишь на зрение, что так созвучно миссии, которой следуют резиденты Инновационного центра «Сколково».
Люди могут смотреть на лампы Woooo и видеть лишь источник света. Однако для тех, кто понимает их природу, эти лампы — уникальные существа с особым предназначением и стремлением помочь другим. Их свет облегчает ориентирование в сумерках и в труднодоступных местах, где нельзя полагаться лишь на зрение, что так созвучно миссии, которой следуют резиденты Инновационного центра «Сколково».
Тарас Желтышев, также известный под псевдонимом Taras Yoom, — мультидисциплинарный художник с международным именем. Отучившись 4 года в медицинском университете, незадолго до защиты диплома он решил сменить профессию и стать художником. Применяя в творчестве естественно-научные знания и черпая вдохновение в методологии Леонардо да Винчи, он интерпретирует искусство как инструмент для исследования взаимодействия человека с миром и определяет свой стиль как биоморфный сюрреализм.
С 2022 года художник работает в собственной мастерской полного цикла, стремительно развиваясь на отечественном и международном арт-рынках. В сентябре 2023 года одна из скульптур Желтышева побывала на МКС, и посвященный этому видеосюжет из космоса в дальнейшем транслировался в рамках сольного проекта художника в крупнейшем молле Азии ICONSIAM. Произведения Тараса экспонируются на ведущих ярмарках и выставках современного искусства и предметного дизайна по всему миру, а также входят в коллекции Музея архитектуры и дизайна Athenaeum и Музея дизайна Red Dot. Работы Тараса Желтышева отмечены премиями International Design Awards, A' Design Award, Good Design Awards и других международных конкурсов. Скульптуры, картины и коллекционные дизайн-объекты художника освещались в публикациях Financial Times, Hypebeast, Harper’s Bazaar, GQ, Elle Decoration и других изданий.
С 2022 года художник работает в собственной мастерской полного цикла, стремительно развиваясь на отечественном и международном арт-рынках. В сентябре 2023 года одна из скульптур Желтышева побывала на МКС, и посвященный этому видеосюжет из космоса в дальнейшем транслировался в рамках сольного проекта художника в крупнейшем молле Азии ICONSIAM. Произведения Тараса экспонируются на ведущих ярмарках и выставках современного искусства и предметного дизайна по всему миру, а также входят в коллекции Музея архитектуры и дизайна Athenaeum и Музея дизайна Red Dot. Работы Тараса Желтышева отмечены премиями International Design Awards, A' Design Award, Good Design Awards и других международных конкурсов. Скульптуры, картины и коллекционные дизайн-объекты художника освещались в публикациях Financial Times, Hypebeast, Harper’s Bazaar, GQ, Elle Decoration и других изданий.
об авторе
о работе
Тарас Желтышев
(Taras Yoom)
(Taras Yoom)
«WOOOO»
Территория института «Сколтех» «Сколко»
Объект «Ретроградный анализ», созданный для фестиваля паблик-арта «Здесь и Сейчас'24», представляет собой шахматное поле в форме ленты Мёбиуса — трехмерной фигуры, обладающей лишь одной непрерывной стороной. Выглядящий как простая геометрическая загадка, этот объект может рассматриваться как единение повседневных переживаний и сложных философских размышлений о судьбе, свободе выбора и сути реальности.
Проецируя окружающую действительность на шахматную доску, художница размышляет над трансформацией этики и норм морали в современном обществе, в котором люди тоже «играют в игры», хотя это и непросто, ведь правила постоянно меняются. Обращение к игре в шахматы обусловлено тем, что именно этот контекст позволяет спровоцировать ситуацию многомерности выбора.
*Ретроградный анализ — жанр шахматной композиции, в котором перед участниками стоит задача проанализировать партию и, опираясь на правила, восстановить предшествующие ходы, которые привели к текущей ситуации на доске. В произведении Елены Извольской шахматная партия вымышленная, а для зрителей предусмотрено пространство для умственной разминки — ведь можно вычислить последовательность ходов, ведущих как к началу, так и к концу предполагаемой игры.
Проецируя окружающую действительность на шахматную доску, художница размышляет над трансформацией этики и норм морали в современном обществе, в котором люди тоже «играют в игры», хотя это и непросто, ведь правила постоянно меняются. Обращение к игре в шахматы обусловлено тем, что именно этот контекст позволяет спровоцировать ситуацию многомерности выбора.
*Ретроградный анализ — жанр шахматной композиции, в котором перед участниками стоит задача проанализировать партию и, опираясь на правила, восстановить предшествующие ходы, которые привели к текущей ситуации на доске. В произведении Елены Извольской шахматная партия вымышленная, а для зрителей предусмотрено пространство для умственной разминки — ведь можно вычислить последовательность ходов, ведущих как к началу, так и к концу предполагаемой игры.
Елена Извольская — междисциплинарный художник. Она обращается к проблематике «бинарных оппозиций», к вопросам этики и нравственности, а также к экологической повестке. В своей художественной практике Елена экспериментирует с такими медиа, как живопись, объекты, инсталляции, реди-мейд и перформанс. В работе над произведениями она зачастую использует элементы игр и зашифрованные текстовые послания.
Елена — выпускница Института современного искусства Иосифа Бакштейна. Её творческая биография отмечена участием более чем в десятке групповых выставочных проектов в Москве, Санкт-Петербурге и Челябинске, а также в резиденции «ПОЛЕ». В настоящее время художница живет и работает в Уфе.
Елена — выпускница Института современного искусства Иосифа Бакштейна. Её творческая биография отмечена участием более чем в десятке групповых выставочных проектов в Москве, Санкт-Петербурге и Челябинске, а также в резиденции «ПОЛЕ». В настоящее время художница живет и работает в Уфе.
об авторе
о работе
Елена Извольская
«Ретроградный анализ»
Центральный парк Инновационного центра «Сколково», «Технопарк»